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lo-basico-para-dibujar-picLo básico para dibujar

Una lista inicial de cosas básicas para empezar a dibujar.

La meta de Artística es enseñar diversos aspectos básicos para aprender a dibujar. Como primer paso necesitaremos tener en nuestras manos las herramientas adecuadas. No necesitamos cosas extraordinarias para empezar.

El material es muy sencillo y baratísimo:

  • Papel – ¡Obvio! De preferencia papel bond blanco, sin rayas ni cuadriculado. Compra todo el papel que puedas.
  • Lápiz y sacapuntas – Cualquier lápiz decente sirve. Si vas a comprar uno nuevo, pide en tu librería un lápiz de dureza “HB.”
  • Borrador – Mi preferencia personal son los borradores de plástico.

Debo confesar que yo uso portaminas en lugar de lápiz. No es necesario que compres uno, un lápiz hará igual de bien. Es simplemente mi preferencia personal, ya que me cansa sacar la punta al lápiz y el portaminas siempre tiene la punta delgada.

Sobre el borrador de plástico, si no puedes conseguir uno, no hay problema. Lo importante del borrador es que borre y que borre bien. Prueba hacer un borrado de prueba donde no hayas dibujado nada y si te deja manchas, es un mal borrador. No uses borradores destinados para lapicero porque malogran el papel. Tampoco uses el borrador que viene en la otra punta de los lápices. Son chicos y de baja calidad.

Más adelante iremos comprando más herramientas para hacer posibles dibujos más avanzados.

El Ingrediente Secreto
Este es el requisito más importante para aprender a dibujar, así que presta atención. Lo más indispensable para lograr nuestra meta es perseverancia. Dibujar puede ser a veces frustrante, sobre todo cuando sabes que tu dibujo está mal o es incorrecto y no sabes el por qué. La diferencia entre la derrota y la victoria está en perseverar, seguir dibujando sin importar la cantidad de veces que te salga mal.

Para aprender a dibujar, tienes que querer dibujar. Tienes que dibujar un montón. Cuando era niño solía dibujar tanto que en cierta ocasión me quedé sin cuadernos ni hojas y seguí dibujando en el marco de madera de mi ventana. ¡Eso es lo que se necesita! (eh, la pasión por el dibujo, no el arruinar marcos de ventanas)

La mayoría de personas que dibujan admirablemente tienen un cuaderno de dibujo que llevan a todas partes. Cuando publican sus dibujos en internet no deja de sorprenderte la cantidad de dibujos que hacen, y es que dibujan en todos lados y a todo momento: en el tren, mientras esperan a alguien para almorzar, mientras ven televisión, etc.

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Dibujos de Min Hyuk Yum

Dibujando en el Aire

Un divertido ejercicio para aprender a observar.

Vamos a aprender a dibujar con un ejercicio muy sencillo que nos ayudará a mejorar nuestra observación. A ver todos, lápiz en mano, y elijan un objeto que esté a su alcance. En mi escritorio tengo un muñequito de Pikachu, así que ese será mi objeto. ¿Listos?

Ahora, cierra un ojo y, con el lápiz, traza una línea imaginaria del contorno del objeto, como si lo calcaras en el aire.

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Prueba hacer esto con otros cinco objetos que tengas cerca. Busca algún objeto interesante como un tenedor, una silla, tu mascota o, si no tienes nada interesante cerca, prueba delinear tu mano extendida, luego tu puño, etc.
Puedes practicar esto donde sea, no importa que no tengas un lápiz a la mano. Cierra un ojo, usa un dedo y ¡a dibujar en el aire!

¿Pero para qué sirve este ejercicio?
Este ejercicio es muy útil para mejorar nuestra capacidad de observación. Al delinear el objeto de esta manera tenemos que prestar atención a la forma del objeto, dónde empieza una línea, cómo cambia de dirección, etc.
Daryl Reiner escribió, “Dibujar es la parte fácil, la parte difícil es entender lo que está ahí.” El inicio de ese entendimiento es la observación de los detalles que nos rodean.

Gimnasia de trazos

Un poco de gimnasia con papel y lápiz.

Hoy vamos a hacer un poco de gimnasia con el lápiz y papel. A continuación hay una imagen para imprimir. Si no tienes impresora, pídele a algún amigo o tío que te lo imprima o anda a una cabina de internet.

Te recomiendo que hagas este ejercicio repetidas veces. Sugiero que imprimas esta imagen y luego la fotocopies.
Al hacer este ejercicio descubrirás que hay ciertos ángulos que te serán difíciles de dibujar. Eso es normal. Es importante que te observes a tí mismo cuáles son las direcciones en las que tienes dificultad.

Cuando empecemos a dibujar más adelante, ya sabrás qué ángulos te son difíciles para mover el papel o cambiar de posición a una más fácil.

Aquí está la imagen:

gimnasia-de-trazos-1 gimnasia-de-trazos-2
Nada reemplaza a la práctica y al trabajo duro. Así que manos a la obra.

Del Aire al Papel

Un ejercicio práctico sobre el papel.

Dibujar es trasladar una imagen, sea una que tenemos delante nuestro o una que está en nuestra imaginación, hacia el papel. Uno de los secretos para poder dibujar correctamente un objeto es entenderlo. Tenemos que entender su forma. Si queremos dibujar una lata, es imprescindible que entendamos que la lata no es un objeto plano, sino cilíndrico. Un objeto más complejo, como una flor, está compuesta de muchas y variadas formas. Una flor no es plana, eso es evidente, y mientras más desarrollemos la capacidad de observar y entender la forma de la flor, podremos dibujarla de la mejor manera.

Tanto el ejercicio anterior de dibujar en el aire como el presente tienen como fin, primeramente, desarrollar nuestra capacidad de observación y, segundo, desarrollar nuestra capacidad de entender la forma de un objeto.

¡Empecemos entonces! Sólo es necesario lápiz y papel.

Escoge un objeto que tengas cerca. En mi caso, encuentro interesante la licuadora. Coloca al objeto cerca tuyo y, en una posición cómoda, empieza a dibujar en el aire al objeto, como lo hemos hecho anteriormente. A continuación, empieza a dibujar el objeto en el papel, pero manteniendo la vista en el objeto. Recorre el borde del objeto con los ojos y siente la forma del objeto.
Tus ojos deben estar fijos en el objeto, pero tu mano debe dibujar en el papel. No mires lo que estás dibujando, simplemente siente la forma del objeto y dibújala.

A continuación una foto de la licuadora y mi dibujo.

del-aire-al-papel-01 Es de esperarse que las líneas no coincidan y el dibujo salga deforme y desproporcionado. Eso no nos importa ahora, sino aprender a entender la forma de un objeto. Empieza desde cualquier punto y desde allí traza una linea como si tocaras con la vista el objeto. Siente cada cambio de dirección, cada curva, cada fin de línea. Cuando alces el lápiz para dibujar otra parte del objeto no te preocupes de encontrar en el papel dónde tienes que seguir dibujando la siguiente parte. Simplemente dibuja sin mirar. No te preocupes del resultado.

A propósito, el dibujo lo hice observando la licuadora misma y no la fotografía. Tomé la foto de pie e hice el dibujo sentado. No uses fotografías para este ejercicio, dibuja siempre de la vida misma con objetos que estén delante tuyo. Esto es importante porque el ser humano capta los objetos con dos ojos, mientras que una cámara fotográfica capta la imagen con una sola lente. Hay una diferencia muy importante allí. Es importante percibir el volumen, la profundidad y la distancia de un objeto.

No está de más volver a recalcar la importancia de la práctica. ¡Practica bastante! La práctica hace al maestro, dice la famosa frase, y tiene bastante de verdad. Si tienes preguntas, escríbeme un comentario y gustoso lo responderé a la brevedad posible.

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Observando y midiendo

Aprendiendo a observar por medio de la medición.

Anteriormente mencioné una frase dicha por Daryl Reiner, “Dibujar es la parte fácil, la parte difícil es entender lo que está ahí.”

El acto de hacer una línea en el papel es fácil. Dibujar un cuadrado no tiene mayor dificultad, y menos aún si nos ayudamos de una regla. Hay dibujos de maestros clásicos que se componen de prácticamente un par de líneas. ¿Dónde está la dificultad entonces? La dificultad radica en la forma que las líneas sugieren. Si una línea hubiese ido un poco más allá o se hubiese alejado un poco más, el dibujo perdería sentido. Cualquiera puede trazar una línea, pero se requiere de práctica y maestría para saber dónde ubicar y guiar cada trazo.

La ubicación de cada línea y su proporción es muy importante en el dibujo. Esto es más notorio cuando dibujamos retratos, pues al ubicar incorrectamente las partes del rostro vemos que el dibujo no se parece a la persona que queremos retratar. Para lograr el parecido con la realidad tenemos que ubicar cada parte en su lugar.

La idea de un dibujo no es capturar de manera idéntica nuestro objetivo. Si esa fuese nuestra meta, es más fácil y rápido fotografiar al sujeto. La idea de un dibujo es plasmar en papel la esencia del sujeto. Si calcamos la fotografía de una persona el resultado es una serie de líneas sin vida ni emoción. Un dibujo debe tener substancia, debe expresar una idea, contar una historia o ser interesante para que provoque una reacción en el observador.

midiendo-fotografia

Al hacer este dibujo mi meta no era obtener una copia idéntica del sujeto sino capturar la mirada distraída y lejana. Es esa expresión y no la copia perfecta lo que me interesa.

Si alguna vez has tratado de copiar una fotografía, un objeto que está delante tuyo o el dibujo de otra persona, seguramente habrás experimentado esa frustración de ver que no se parece, que hay algo mal en el dibujo y no entiendes qué es. De algún modo te evade el ver dónde están los errores.
Un consejo que ayuda mucho para estos casos es simplemente dejar el dibujo a un lado y ver otra cosa. Dar una vuelta por la calle, leer un libro, cocinar, dedicarse a otra cosa y olvidarse del dibujo. Luego, cuando regreses al dibujo lo verás con “ojos nuevos” y notarás detalles a los que anteriormente eras ciego.

El segundo consejo es nuestro ejercicio del día de hoy. El propósito de este ejercicio es aprender a observar y notar las diferencias que introducimos en nuestro dibujo con el sujeto que queremos dibujar. Esto lo vamos realizar a través de la medición.

Empecemos con un dibujo de lo más sencillo:

midiendo-sonrie-01
Coge tu lápiz y papel y prueba dibujar este sonríe. Trata de hacerlo lo más idéntico posible al mío. Inténtalo y aquí te espero.

¿Ya lo hiciste? No, no lo has hecho. ¡Dibújalo de una vez! Yo te espero aquí.

Dum, di, dum.

¿Listos? Ok, he elegido un dibujo muy simple para que notemos fácilmente las diferencias. Tratándose de un dibujo sencillo y por ser un ejercicio les exijo que traten de hacer lo más idéntico posible a mi dibujo.
Mira y compara tu dibujo con el mío. ¿Es igualito? Le pedí a mi Mami que haga también un dibujo para ustedes, así que aquí está el suyo:

midiendo-sonrie-02La primera diferencia notable es que los ojos son más grandes. Un premio para el que haya notado que los ojos deberían estar más distanciados entre sí. Lo más difícil es señalar las diferencias que hay con la forma de la boca, dado que es una curva difícil de comparar.

Como dije antes, nuestro ejercicio es uno de Medición. Todos sabemos medir, usando una guía de medida como una regla. Necesitamos un punto de comparación para saber “esta línea es más larga que esta otra,” o “la distancia entre este punto y este otro es X.”

Para nuestro ejercicio vamos a coger un papel extra o una cartulina para definir nuestra medida de comparación. Vamos a elegir una parte de nuestro sujeto original para crear nuestra “Medida Base.” Ojo con estos requisitos:

  • Debe ser una línea recta.
  • Debe ser fácil de ver.
  • No debe ser muy grande.

Nuestro dibujo es tan pero tan sencillo que he elegido como Medida Base la separación que hay entre los ojitos.

midiendo-01¡Muy bien! Entonces, mi Medida Base es esa separación. Coge una cartulina y haz lo mismo, mide la distancia que hay entre los ojos de mi dibujo. ¡Ten extremo cuidado si vas a colocar tu cartulina en la pantalla de la computadora!

Esta medida nos servirá para poder ubicar correctamente cada una de las demás partes del dibujo. Por ejemplo, con nuestra medida podemos ubicar la curva de la boca. Si notas, el ojo queda casi casi en el centro de nuestra medida.

midiendo-02Podemos hacer también una marquita en nuestra medida para sacar la altura de la curva debajo del ojo.

midiendo-03

Al tomar estas medidas descubriremos el por qué nuestro dibujo no se parece al original. Frecuentemente me sucede que pienso que la distancia entre el ojo y el borde de la cara es una, pero al medir me doy cuenta que es más allá. Al instante se hace obvio. Recuerda que las medidas no tienen que ser exactas y precisas, en un dibujo artístico lo esencial es obtener un parecido y no una copia perfecta al milímetro.

Felicitaciones, ¡ya estás aprendiendo a observar!

¡Vamos a esbozar!

En este artículo veremos una práctica importante de todo dibujante: los esbozos.

Una práctica común entre artistas de todo rango, desde un historietista hasta un gran maestro como Leonardo da Vinci es el esbozo o, en inglés, “sketch.” Un esbozo es un dibujo hecho rápidamente con el fin de estudiar o captar la forma de un sujeto. Da Vinci hacía cientos de esbozos en sus cuadernos donde figuran sujetos diversos como animales, personas y máquinas. Un esbozo no es un dibujo acabado y muchas veces contiene errores y varios intentos de líneas superpuestas.

leonardo-sketches

Esbozos de Leonardo da Vinci

Uno de las claves más importantes para aprender a dibujar es, bueno, dibujar. Es como aprender a manejar bicicleta. Por más que desees manejar la bicicleta, por más que te sientes a leer artículos de seguridad vial o mirar catálogos de bicicletas, no ganarás más experiencia que subirte a la bici y pedalear.
Del mismo modo, puedes pasarte horas de horas leyendo libros, comprando instrumentos de dibujo, deseando ardientemente aprender a dibujar… pero nada reemplaza a la experiencia que obtendrás cogiendo un lápiz, papel y dibujar, dibujar, dibujar.

Aquí es donde entran los esbozos. Puedes empezar esbozando en base a algún dibujo que te guste, o una fotografía, o quizás un sujeto que tengas delante de tus ojos. Tienes que perder el miedo al “No me va a salir igual,” “Esto es muy difícil.” Todos tenemos miedo al principio de caernos de la bicicleta, pero no hay otra forma de perder el miedo más que limpiándose las rodillas y volver a pedalear. Eventualmente, empezarás a tener más confianza en ti mismo o en ti misma.

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Esbozos de SpiritRaptor

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Esbozos de Craig Mullins

¡Manos a la obra!
Lo genial de dibujar es que puedes practicar en casi cualquier parte y situación. Puedes dibujar en la comodidad de tu casa, afuera en la calle mientras esperas a alguien, en un restaurante mientras esperas el servicio y un largo etcétera. No es raro encontrar dibujos de artistas que dibujan durante su viaje en el microbús o tren.

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Esbozos de Toñito Avalos

¡Vamos a empezar entonces! Teniendo en mente los ejercicios que hicimos anteriormente de observación, dibujar en el aire, etc. te doy los siguientes consejos:

1. Empieza con trazos ligeros. Pasando suavemente el lápiz sobre el papel empieza dibujando líneas y formas muy generales del sujeto.

2. Haz varios trazos de base y luego, más firmemente, haces un trazo más marcado. Me sucede muchas veces que no puedo dibujar una línea recta en el ángulo que quiero, por lo que lo intento varias veces de manera ligera y una vez que ya me sale hago el trazo definitivo usando los intentos como base.

3. ¿Te salió mal? Déjalo y vuelve a intentarlo o intenta otra cosa. Esbozar debe ser divertido, no debes perder la paciencia ni mucho menos dejar que la frustración te haga dejar el papel. Hay veces que uno no se siente inspirado, como que dibujas y no te sale nada bien. Distráete un momento y vuelve a intentarlo.

Muy bien, ahora vamos con un ejemplo.

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Ahora es tu turno. Ten mucha paciencia y… ¡adelante!

Dibujando con formas básicas

Las formas básicas como bloques de construcción para el dibujo.

Quizás te has encontrado en la situación de querer dibujar algo, como un objeto delante tuyo, una fotografía o una escena muy compleja, y no sabes ni por dónde empezar.

Hay un proverbio chino que dice, “Un viaje de mil pasos empieza con un paso.” Es una frase muy sabia. Te cuento un secreto: cuando te encuentres con una tarea grande y no sepas por dónde empezar, divide la tarea en partes más pequeñas. Y esas partes divídelas en partes más pequeñitas. Sigue así hasta que las partes que tengas sean fáciles de manejar.
Como dice el conocido refrán, “Divide y vencerás.”

En el artículo anterior de esbozos hice mención de hacer trazos base. Esos trazos base son la división de la figura en partes más pequeñas. Hacemos esto reduciendo una figura complicada a formas básicas como círculos, rectángulos, conos, etc. Simplificamos nuestro sujeto a formas muy simples que sean manejables.

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Cuando era chico y quería dibujar “a lo grande” cometía siempre el mismo error de empezar a dibujar detalladamente una parte de una escena o figura sin tomar en cuenta toda la imagen en sí. He visto a principiantes querer dibujar un rostro y empiezan dibujando el ojo. Inevitablemente, la cara sale desproporcionada o desfigurada porque el dibujante puso su concentración en una sola parte del sujeto.

Toda figura tiene proporción, armonía, una distancia entre parte y parte. Por eso es importante empezar trazando ligeramente líneas de base para definir el lugar donde irá ubicada cada cosa, como un mapa de nuestro dibujo. Aquí es bien importante observar bien y medir para no tener problemas después. Es importante capturar el lugar correcto de cada cosa. Teniendo una idea de la ubicación de los elementos ya podemos empezar a dibujar.

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Para cerrar esta lección, te comparto un truco. Hay ocasiones en las que miramos nuestro dibujo y sabemos que algo está mal pero no sabemos qué. Como que se escapa a nuestra observación. Un buen truco para esos casos es mirar tu hoja a través de un espejo o a tras luz para verlo invertido. Al mirarlo al revés se revelan esos errores.

¿Qué errores encuentras aquí?

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Introducción a la Luz y Sombras

Una introducción para dibujar realistamente con sombreado.

Recuerdo una vez cuando era niño me desperté en la mitad de la noche y había apagón. Esa noche no había luna, por lo que no había nada de luz. Era una oscuridad total, no veía absolutamente nada, tanto así que ni siquiera podía ver mi mano delante de mis ojos por más que me esforzaba.

Todo lo que vemos es luz. Nuestros ojos captan la luz que tenemos alrededor nuestro y los valores y variaciones de éstas. Nuestro cerebro arma la imagen que podemos “ver.” En esencia, nuestra visión se compone de luz. Los colores son también variaciones de frecuencias de luz. Si quitas toda fuente de luz al final no podemos ver nada, tal como mi experiencia con el apagón.

Este concepto es muy importante en el dibujo, sobre todo cuando queremos dibujar de manera realista. Cuando dibujamos una caricatura la simplificamos utilizando líneas. Decimos, “Esto es un cuadrado” y dibujamos cuatro líneas para representar sus bordes. O, “esto es una persona” y dibujamos líneas en los bordes para definir cómo es su forma. Pero en la vida real no es así. Los bordes de un objeto en la vida real no está formado por líneas, sino por variaciones de luz.

Para empezar a dibujar realistamente tenemos que abandonar el concepto de línea y asumir el concepto de luz.

Por ejemplo, la sombra en la siguiente fotografía es una variación abrupta de la luz. Hay un lado donde cae bastante luz y luego otro lado donde la luz del sol es interrumpida. Tenemos que aprender a mirar ese borde como una variación de luz y ya no como una línea.

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¡Lápices nuevos!
De aquí en adelante usaremos un par de nuevos lápices que nos ayudarán a obtener un mejor rango de sombreado. Quiero recalcar que no es necesario ni obligatorio adquirir estos lápices, sino que simplemente nos ayudarán a obtener más fácilmente tonos oscuros o ligeros.

Recordando que en el primer artículo sugerí comprar un lápiz HB, les describo los nuevos lápices:

  • 2B – La mina es más suave que el HB. Eso significa que “pinta” con más grafito y obtenemos tonos más oscuros.
  • 2H – La serie H tiene la mina más dura, que como ya adivinaste, significa que deja menos grafito en el papel y los trazos salen más ligeros y claros que nuestro amigo HB. Mucho ojo, al tratarse de una mina más dura es posible cortar o hacer daño al papel.

Estos lápices los puedes conseguir en cualquier librería. En alguna ocasión me compré un 6B para obtener tonos negros de esos bien negros, pero manchaba bastante y era un poco frustrante. Personalmente, considero que un 2B y un 2H son suficientes para empezar.

Ok, y ahora llegó la hora de nuestro ejercicio. En una hoja de papel dibuja cinco recuadros como en la figura y pinta los valores desde el blanco puro (no pintamos nada) hasta el negro oscuro (¡a darle con fuerza al lápiz!). El propósito de este ejercicio es que obtengas dominio para representar distintos valores de oscuridad.
Empieza primero usando solamente el lápiz HB. Una vez que hayas ejercitado bien, prueba con el 2B, luego con el 2H y finalmente con los tres a la vez.

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Dibujo por iichiro

Técnicas para el Sombreado

Métodos para sombrear y dar diversos tonos a nuestras ilustraciones.

¿Alguno de ustedes ha visto de cerca cómo se toca un violín? A diferencia de un piano donde cada tecla es una nota, en un violín las notas no están separadas visualmente, tienes que saber dónde presionar en cada cuerda para producir cada nota. Si pulsas el lugar incorrecto suena desafinado. En un piano es fácil, porque cuando te dicen que toques la nota Sol, pues presionas esa tecla y punto. En un violín es más difícil, al principio uno tiende a presionar un poco más aquí o más allá y no suena bien. Una amiga violinista solía decir antes de practicar, “Voy un rato a serruchar al gato.” 🙂

Del mismo modo, para sombrear realistamente es importante saber qué sombras y de qué oscuridad debe ir en el papel. Esas son las notas de nuestra canción. Es igualmente importante y crítico saber pintar el tono o valor correcto en el papel. Eso es como pulsar correctamente la nota en el violín. Podemos saber la nota, la oscuridad correcta, pero es igualmente importante saber representarla en el papel, en caso contrario nuestro dibujo saldrá “desafinado.”

¡Y esto no es difícil! Como todo en el dibujo, es cuestión de práctica, así que sin más ni más veamos las técnicas más usadas para sombrear con nuestros lápices.

Técnicas de Sombreado
La forma más simple de sombreado es hacer líneas seguidas juntas usando la punta del lápiz o inclinándolo para pintar con el costado de la mina de éste. Es importante hacer todas las líneas en una misma dirección para que el resultado sea uniforme. La cantidad de sombra varía según la presión del lápiz y la cercanía entre las líneas.

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Otra técnica es el “Cross Hatching,” que es un tramado cruzado. Dibujas una serie de líneas diagonales y luego inclinas el papel y dibujas otra serie de líneas que las crucen. Se puede obtener una menor o mayor oscuridad según la separación que le dejes entre las líneas.

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Otra técnica es el “Circulismo,” que consiste en dibujar una serie de círculos pequeños que se superponen entre sí. No es necesario que los círculos sean perfectos, solamente hacerlos lo suficientemente pequeños y juntos. La oscuridad de la sombra depende del tamaño de los círculos que dibujemos así como la presión que hagamos con el lápiz. El Circulismo es muy útil para dibujar la piel de las personas, ya que el acabado es irregular. Para este caso es bueno hacer los círculos suavemente.

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Aquí un ejemplo usando la primera técnica de sombreado:

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Finalmente, estas tres técnicas mencionadas se pueden complementar con el Suavizado. Utilizando un trozo de papel normal, papel higiénico, alguna tela suave o un tortillon mezclamos el grafito que pintamos en nuestro dibujo. El resultado es un color uniforme, suave.

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¿Torti-qué?
El tortillon es una herramienta muy sencilla de construir que nos permitirá suavizar nuestros dibujos fácilmente.

tortillion

Para hacer nuestro tortillon necesitamos un papel en blanco. Lo enrollamos de manera ligeramente diagonal de modo que sobresalga una punta. Para que no se desarme pegamos con goma o cinta el extremo final. ¡Listo! Para usarlo pintamos primero una superficie con lápiz y luego lo suavizamos con el tortillon.
Cuando quiero obtener tonos suaves pinto con el lápiz en otro papel, suavizo eso con el tortillon y como se queda impregnado el grafito, uso ese remanente en mi dibujo. Es como si el grafito fuese pintura y el tortillon una brocha.

Un ejemplo de un acabado con tortillon:

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Practicando y usando estas técnicas se pueden obtener resultados asombrosos. Este es un dibujo hecho por un verdadero profesional (y no un aficionado como quien les escribe), Jose Carlo G. Mendoza, usando la técnica circular, diversos lápices, borradores, tissues (pañuelos de papel) y mucho trabajo duro.

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Aquí otra muestra de la técnica de Cross Hatching, esta vez del artista Michael May:

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Todos los valores están construidos en tramados cruzados que a lo lejos nuestros ojos lo ven como variaciones de luz. Aquí el detalle:

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Técnicas para el Sombreado 2

¿Cómo se comporta la luz en un cuerpo? Veremos también los tipos de sombras que se producen.

Siguiendo con el tema del sombreado, en esta lección vamos a entender un poco más acerca de la luz. Como mencionamos anteriormente, todo lo que vemos es luz. Los brillos y sombras forman parte del comportamiento de la luz sobre un cuerpo.

La forma más simple de entender la luz es con el ejemplo de una bola iluminada. La luz produce en la esfera ciertos tipos de luces y sombras que tienen nombres específicos.

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A.Brillo

B.Medio Tono

C.Sombra Propia

D.Luz Reflejada

E.Sombra Arrojada

El Brillo (A) es aquella área que está más cerca de la luz y, por lo tanto, está más iluminada que las demás. Es donde la luz es más intensa pues cae directamente sobre la bola.

Conforme la luz va cayendo sobre la redondez de la bola, vemos que va disminuyendo en intensidad pues ya no cae tan directamente. Poco a poco el Brillo va pasando al Medio Tono (B).

Ahora llegamos a la parte de la bola donde la luz no llega, y por lo tanto se produce la Sombra Propia (C). ¡Pero hay algo interesante que ocurre aquí! Nuestra bola reposa sobre una mesa y dicha mesa refleja un poco de luz sobre la bola. Esa es la Luz Reflejada (D).
Finalmente, tenemos la Sombra Arrojada (E) que es la silueta de la bola que produce en la mesa.

¡Veamos otro ejemplo! Aquí tenemos la foto de un dado lanzado al aire.

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Tenemos en toda la esquina el Brillo (A) donde la luz se refleja con intensidad. Luego de ello tenemos el Medio Tono (B)y la Sombra Propia (C). Nota bien que el dado está sobre una superficie blanca y esa superficie blanca refleja luz sobre el dado. Esa es nuestra Luz Reflejada (D) — si observas bien, notarás que hay una diferencia de intensidad con la Sombra Propia, ¿lo ves?
Y finalmente tenemos la Sombra Arrojada (E), que en este caso es una sombra bastante difuminada pues el dado está flotando lejos de la superficie blanca.

¿Qué tal? No es difícil, ¿verdad?

Tengo aquí otra foto, esta vez es el borrador de un lápiz.

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Tenemos el Brillo (A), tenemos el Medio Tono (B) y la Sombra Propia (C). Como habrás notado, esta vez no tenemos Sombra Reflejada ni Sombra Arrojada pues el lápiz no tiene ninguna superficie ni ningún otro objeto cerca que le refleje luz o a quien le haga caer sombra.

Y ahora… ¡es tu turno!
¿Puedes reconocer los diversos tipos de luz en esta tapa de botella?

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La Escala de Valores

La Escala de Valores es una útil herramienta que nos ayudará a dibujar mejor los tonos de una imagen. Aprende cómo construir una.

Ahora construiremos una herramienta que nos servirá de mucha ayuda para poder dibujar los tonos del sombreado. Esta herramienta se llama “Escala de Valores.” Necesitaremos lo siguiente:

  • Cartulina (recomendado) o papel grueso blanco
  • Impresora
  • Tijeras
  • Perforador

1. Imprime la Escala en cartulina o, si tu impresora no lo permite, entonces en papel, el más grueso que puedas conseguir.

2. Recorta la Escala.

3. Usando el perforador, haz huecos dentro de cada cuadrado de la Escala, para que quede como la foto mostrada abajo.

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¿Y para qué sirve la Escala de Valores?

Cuando esté dibujando, por ejemplo, una fotografía con todas sus sombras, la Escala de Valores me sirve para comparar si los tonos (valores) que he dibujado coinciden (o se acercan lo suficiente) a la foto. A ver, veamos… parece que tengo que hacer esto más oscuro.

escala-de-valores-2

Habrán ocasiones donde requieres dibujar un valor negro y tu lápiz sólo puede producir un gris que no se acerca nada al negro de la foto original. Una solución es conseguir un lápiz más suave (como el 8B).

En caso contrario, sigue los siguientes pasos:

  • Pinta el “negro” más negro que puedas obtener con tu lápiz.
  • Consulta con tu Escala a qué valor corresponde tu “negro.”
  • Cuenta cuántos recuadros está alejado del negro real. Digamos que sean 3 recuadros más alto. Recuerda ese número.
  • Entonces, para cada valor que encuentres en la fotografía original, tienes que usar un valor +3 recuadros más alto. Si, por ejemplo, es el recuadro 4 (donde 1 es el recuadro más negro), entonces tienes que usar el recuadro 7 (4+3).

Recuerda: La Escala de Valores es sólo una ayuda

La verdadera utilidad de la Escala de Valores es enseñarnos a nosotros mismos a estimar mejor los valores que vemos. Es una ayuda, no una muleta para depender de ella. No quiero que luego te sea imposible hacer un dibujo sin tener tu Escala de Valores al lado. Mas bien, con la práctica irás aprendiendo mejor a estimar los tonos (valores) y usar la Escala en pocas ocasiones.

Esto quizás suene contradictorio, pero la idea de un dibujo no siempre es reproducir perfectamente todos los tonos (valores) de la fotografía original. Hay mucho de creatividad y sensibilidad cuando acentúas o dejas de lado partes del dibujo para que el ojo sea atraído a aquellas partes que son interesantes o que tú quieres resaltar. Es un tema que veremos más adelante a profundidad, así que brevemente lo diré así: no trates de copiarlo todo como si fueses una máquina fotográfica humana.

Y ahora, ¡a dibujar!

Si no haces esto no serás un buen Dibujante

Cuando todos te digan que te resignes, esto es lo que debes hacer.

Derek Sivers es un músico muy entusiasta y un emprendedor modelo. Como músico, una de sus aspiraciones era ser no solamente un buen compositor, sino también un gran cantante. Estuve leyendo un artículo que él escribió donde habla sobre cómo ha sido su progreso en el paso de los años.

A los 14 años, Derek se propuso ser un gran cantante. Pero era malísimo, todos le decían que no era un buen cantante.

A los 17, empezó a tomar clases de voz, y a practicar dos horas cada noche. La práctica fue constante.

A los 18, empezó a salir en giras, como cantante principal.

A los 19, seguía practicando dos horas cada noche. La gente le decía que él no era un cantante, que se rindiese, y que buscase a un cantante verdadero.

A los 25, grabó su primer álbum. Se lo mostró a un mentor importante suyo, el cual le dio una buena y atenta escuchada. ¿Qué creen que le dijo? “Derek, tú no eres un cantante. Necesitas dejar de intentarlo. Admite que eres un compositor de música, y encuentra a un cantante verdadero.”

Derek siguió de giras por tres años. siempre practicando, siempre determinado a ser un gran cantante.

A los 28, empezó a notar que su voz estaba mejorando. Grabó algunas canciones nuevas, y por primera vez, le gustó cómo quedaron.

A los 29, Derek llegó a un nivel en el cual él se veía como un buen cantante. Los 15 años de práctica y 1,000 conciertos en vivo dieron su fruto.

Alguien le escuchó por primera vez y comentó, “Cantar es un talento con el que naces o no. Tienes suerte. ¡Tú naciste con ese talento!”

Con esta anécdota quiero darte ánimos. Si quieres ser un gran dibujante entonces nunca dejes de practicar.Quizás te tome menos de quince años o quizás te tome mucho más. Quizás la gente intente desanimarte y te diga que te rindas o quizás te den un apoyo invaluable e inesperado. Lo importante es que nunca abandones ese lápiz y cultives siempre un insaciable deseo de aprender y mejorar.

Un día, esas miles de hojas llenas de dibujos darán su fruto.

Para finalizar, los dejo con una reseña visual del progreso de un artista, MLeth, durante seis años:

mleth-progress
Tipos y Grados de Lápices

¿Qué tipos de lápices hay y cómo son sus graduaciones? Conócelos de cerca para saber cuáles usar en tus dibujos.

En la Introducción a la Luz y Sombras vimos dos nuevos lápices a usar, el 2H y 2B, en complemento a nuestro lápiz HB. En este artículo vamos a entender mejor en qué consisten estas denominaciones de lápices.

Graduaciones de Lápices

Los lápices se dividen en grados o graduaciones según su dureza u oscuridad. Un lápiz más duro produce un tono más claro en el papel, mientras que un lápiz más suave produce un tono más oscuro.

Un lápiz duro mantiene su forma mucho mejor que un lápiz suave, por ser de contextura más firme. Por eso los lápices de esta gama son preferidos para el dibujo técnico (i.e. planos), pues la punta retiene su forma por más tiempo. Como nota interesante, puedes coger un lápiz duro y sacarle una punta tan fina que puedes cortar el papel con él.

Si no se tiene el tacto apropiado, los lápices duros pueden dejar marcas en el papel o lastimarlo tanto que se rompe al borrar. Si acostumbramos probar varios bocetos o ideas durante la creación de nuestro dibujo, podemos maltratar el papel y arruinar nuestro trabajo. Por eso para la ilustración y el dibujo se usan los lápices más suaves. No sólo son más delicados con el papel sino también producen una gama de tonos más oscuros. En consecuencia, pueden manchar la hoja si por error pasamos la mano encima y requieren un poco más de esfuerzo al borrar (esto es más notorio en los lápices más suaves de la escala).

Las denominaciones de los lápices tienen dos letras: “H” y “B,” que corresponden a las palabras en inglés “Hard” y “Black”(“Duro” y “Negro”). Esta letra viene acompañada de un número, que corresponde al grado. Por ejemplo, un “2B” es un lápiz suave, mientras que un “6B” es un lápiz mucho más suave y que produce un tono más oscuro.

graduaciones-de-lapices

Habrán ocasiones en las que desearemos poner las sombras de nuestro dibujo y tener negros bien negros. Para ello usamos un lápiz más suave. Un 6B es suficiente para la gran mayoría de casos. Algunos artistas suelen usar lápices suaves como un 2H para hacer bocetos iniciales de un dibujo, porque son fáciles de borrar.

¿Qué lápices son recomendables para dibujar?

Personalmente, uso solamente un lápiz HB. Eso me es suficiente para todos mis dibujos a lápiz.

Para obtener un mejor rango, consíguete lápices 2B, HB y 2H como sugerí anteriormente. Es suficiente para empezar.

Conforme vayas necesitando lápices más suaves para tonos más oscuros puedes adquirir un 4B y un 6B.

Me obsequiaron un juego Mars Lumograph de la marca Staedtler que trae los grados 8B, 7B, 6B, 4B, 2B y HB. Es mi favorito cuando salgo a dibujar fuera. Pensé que iría a usarlos todos constantemente, pero lo cierto es que siempre termino usando solamente uno, el HB o el 2B.

A menos que quieras realizar un retrato o un dibujo a lápiz bien realista, que requiera varias gradaciones de tonos, con uno o dos lápices puedes producir muy buenos dibujos. Así que no pierdas el sueño tratando de coleccionar todos los lápices habidos y por haber debajo del cielo. Empieza con lo que tienes a tu alcance y conforme vayas progresando, experimenta con otros lápices y medios nuevos.

staedtler-mars-lumograph

Vía: http://www.dibujemos.com/artistica/

15 de febrero de 2016 / ilustra

La palabra ilustración es de origen “illustrare” que significa “ilustrar”, “divulgar”, formada por el prefijo “in” sobre el verbo latino “lustrare”.

El RAE  la define como “estampa, grabado o dibujo que adorna o documenta un libro”, pero una  definición más completa y contemporánea podría ser esta:

Cualquier obra de arte impresa trazada con acuarela, tinta, óleo, aerógrafo u otros materiales similares y/o tecnologías informáticas que explica, aclara, ilumina, representa visualmente, o simplemente decora un texto escrito que puede ser de carácter literario, comercial, publicitario o social.

IMAGEN-GLOSARIO

15 de febrero de 2016 / ilustra

La ilustración goza de una larga tradición, pero desde la entrada en escena de los programas informáticos, esta actividad, se ha diversificado y abierto camino rápidamente creando un sinfín de puestos de trabajo creativos en varios sectores: Internet, televisión, editoriales de libros, medicina y ciencias, prensa, teatro, revistas, cine, grandes empresas, publicidad, etc.

La acelerada evolución de las nuevas tecnologías ha puesto en nuestras manos herramientas extraordinarias para crear ilusiones visuales que resultaban inimaginables hace solamente dos décadas. Todo este lujo de magia tecnológica puesta a nuestra disposición y su dominio técnico veloz, son indispensables para el futuro ilustrador. Pero falta algo, se necesita una base artística sólida basada en el dibujo. Desde el boceto sobre papel, hasta la elaboración digital e impresión; la ilustración requiere disponer, por un lado, de una preparación sólida con la destreza del dibujo forma y, por el otro, de una profundidad reflexiva sobre símbolos y arquetipos culturales que nos rodean. El objetivo de un artista gráfico es poder acceder a los repertorios iconográficos contemporáneos para destilar un estilo personal de expresión en sus ilustraciones, así como llegar a ser un hábil dibujante, y un pensador que plasma ideas y símbolos originales en metáforas visuales.
Los orígenes de la ilustración – antes de la invención de la “escritura” – se remontan a la pintura rupestre en Chauvet, Lascaux y Altamira, cuando los artistas paleolíticos utilizaban carbón y ocre en sus cuevas para ilustrar lo que veían a su alrededor. Históricamente, la ilustración de libros, revistas y periódicos han sido las formas predominantes de este tipo de arte visual, aunque los ilustradores también han utilizado sus habilidades gráficas en las áreas de creación de carteles, anuncios, libros de historietas, animación, tarjetas de felicitación, tiras etc.
Del mismo modo que existe un lenguaje verbal (sea oral o escrito), también existe un lenguaje visual con una serie de componentes que, sometidos a ciertas normas, se organizan para lograr un significado. En el caso de la imagen, los códigos son “las líneas, los colores, los sombreados, los planos y las dimensiones que, combinados en una sintaxis particular, son capaces de transmitirnos el significado que buscamos”.

15 de febrero de 2016 / ilustra

Todos hemos crecido junto con la ilustración. Las ilustraciones tienen las claves de mundos que existen en nuestra imaginación y cuya descripción no sería posible sin ella. Desde que éramos niños los libros ilustrados, los cómics, los anuncios, carteles, etc., nos nutrieron de actitudes e información y también nos ayudaron a desarrollar nuestros sentidos visuales. La fuerza de la ilustración, y el número casi infinito de formas en que puede usarse, ha hecho que no desapareciera o fuera relegada a medida que las técnicas fotográficas y digitales han ido creciendo. Lo cálido y humano de la ilustración es la cualidad especial que por encima de otra cosa, le asegura que siempre formará parte de las herramientas del Diseñador Gráfico.

Encontramos diversas maneras de expresarnos dentro del campo de la ilustración, diversas técnicas que nos brindan un sinfín de posibilidades, materiales como la pluma, la tinta, el pastel y el grafito, son solo algunos de todo el amplio mundo de elementos que conforman el trabajo del ilustrador.

Ilustrar, según su definición original, significa “dar luz al entendimiento“. “Aclarar un punto o materia con palabras, imágenes, o de otro modo” y según la definición actual, “adornar un impreso con láminas o grabados alusivos al texto“. Estas definiciones determinan, sin contraponerse entre sí, lo que es una ilustración.

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Por: Kerby Rosanes

15 de febrero de 2016 / ilustra

Es un artista gráfico aquel que se especializa en la mejora de la comunicación escrita, a través de representaciones visuales que se corresponden con el contenido textual o con parte del mismo.

Las ilustraciones pueden ser solicitadas para clarificar conceptos complicados u objetos que son difíciles de describir textualmente, o también pueden ser requeridas como atractivo, como es el caso de las tarjetas de felicitación, en el arte de hacer las portadas de discos y libros, en el interior de impresos o como publicidad.

Los ilustradores contemporáneos se ganan la vida creando material gráfico para su uso en libros infantiles, publicidad, periódicos, revistas, y también en la llamada web. El estilógrafo, la tinta, y el aerógrafo, han sido reemplazados en buena parte por los ordenadores, herramienta que domina la industria hoy en día, si bien muchos ilustradores también siguen usando las herramientas tradicionales.

La función de un ilustrador es captar la imagen o crearla y darle vida llevando a cabo la idea o concepto. El ilustrador se sujeta a la idea, pero le presta su habilidad creadora al llevarla a la práctica. El campo de la ilustración puede dividirse en tres extensas zonas o clases:

Ilustraciones que narran la historia completa sin necesidad de texto ni inscripción alguna que sirva de guía. Las portadas de revistas y las sobrecubiertas de libros son ejemplos de este tipo de ilustración.

Todos hemos crecido junto con la ilustración. Las ilustraciones tienen las claves de mundos que existen en nuestra imaginación y cuya descripción no sería posible sin ella. Desde que éramos niños los libros ilustrados, los cómics, los anuncios, carteles, etc.

La segunda es la que ilustra un título, o que visualiza un eslogan o cualquier mensaje escrito destinado a acompañar el cuadro, por lo tanto su función consiste en dar mayor fuerza al mensaje. La narración y la ilustración trabajan conjuntamente. A este grupo pertenecen las ilustraciones de texto corto, letreros, tarjetas de propaganda, anuncios y revistas.

La tercera clase de ilustración es aquella en la que la narración contada por el cuadro en sí es incompleta; su intención evidente es despertar la curiosidad, intrigar al lector, para que éste encuentre la respuesta en el texto que la acompaña. Muchos anuncios obedecen a este plan, para asegurar la lectura del texto, ya que si la historia estuviera expresada completamente en ilustración sería posible que se omitiera leer el texto.

Por: Paula Bonet (España)

Por: Paula Bonet (España)

15 de febrero de 2016 / ilustra

Numerosas discusiones se plantean entre los ilustradores, referidas a si la ilustración debe o no estar sometida a un texto, si es arte o arte aplicado.

Las ilustraciones nos dan una serie de información, esté o no expresada en el texto, de tal modo que orientan al lector dentro del ámbito en que se desarrolla la narración. Supongamos que el texto alude a un festín durante la Edad Media (numerosos entre los cuentos infantiles). ¿De qué modo podría el lector que no sea erudito hacerse una imagen de los usos y costumbres de la época, si no es por medio de la ilustración? Es en este aspecto donde la ilustración hace honor a su definición de dar luz, aclarar o iluminar,  para lo cual es requisito indispensable un amplio conocimiento de parte del ilustrador. La ilustración no está sometida al texto; es, simplemente, un relato paralelo en común acuerdo con la narración escrita. Esto, en cuanto a esa incómoda y errónea palabra “sometimiento“.

Pasemos ahora a la también errónea diferencia que separa el arte del arte aplicado. Aunque no hay definición de arte aplicado, éste se entiende como una creación con fines de uso. En este caso, la ilustración es un arte aplicado pero, ¿Es por eso menos Arte? ¿No son objetos espléndidos, maravillosos, obras de arte cabales, los muebles, vitrales y rejas diseñados por Gaudí, o las orfebrerías de Benvenutto Cellini?  Podemos entonces colegir que la condición de obra de Arte la imprime no el oficio sino que aquel que lo practica. Del ilustrador depende la categoría de su obra. Para entenderlo, basta ver las miniaturas en los códices de la Divina Comedia, de los diversos Libros de Horas o bien los grabados de Doré.

Por: Tamara Guion (USA)

Por: Tamara Guion (USA)

15 de febrero de 2016 / ilustra

Tipos de ilustración

Existen muchos tipos de ilustraciones, pero para empezar podemos describir dos grandes clases:

Ilustraciones conceptuales: Son representaciones metafóricas (no realistas) de escenas, objetos, ideas o teorías. Las imágenes pueden contener elementos de la realidad, pero en su conjunto tienen una forma o significado diferente. Ejemplos de ilustración conceptual incluirían historietas, gráficos, dibujos abstractos.

Aquella que no está obligada a ceñirse a los datos proporcionados por un texto, un argumento literario o una información, sino que desarrolla una idea personal nacida de las consideraciones que hace el ilustrador acerca del tema que se propone ilustrar. Representa ideas generales, no hechos en particular. Son las que dejan un margen más amplio a la creatividad y al estilo personal del diseñador.

El Arte Conceptual es una forma de ilustración donde el principal objetivo es la representación visual de un concepto para su uso  en cine, animación, cómics, videojuegos, etc.

Las ilustraciones de tipo conceptual no están necesariamente ligadas a un texto, información o argumento literario, más bien nacen puramente de la imaginación del ilustrador, en base a una idea o concepto elegido. Son aquellas que dejan un margen más amplio a la creatividad y al estilo personal.

Ilustraciones literales: Estas ilustraciones tienden a representar verdades pictóricas. Aquí hay generalmente una descripción exacta de la realidad, e incluso si la imagen representa la ficción narrativa de carácter fantástico o dramática, se hace hincapié en la creación de una escena que sea creíble. Ejemplos de ilustración literal incluirían los siguientes: foto realismo, hiperrealismo.

Aquella que muestra un suceso o secuencia de sucesos según un guion literario.

Este tipo de ilustración debe ajustarse a los contenidos y detalles del texto ilustrado manteniendo el equilibrio entre la interpretación personal del ilustrador y el mundo imaginativo del lector.

Este tipo de ilustración, a diferencia de la ilustración conceptual, tiene como objetivo la representación gráfica de un argumento literario. Así pues, las ilustraciones que encontramos en el interior de novelas o relatos son de este tipo, y sirven para reforzar o recrear una escena dentro de la lectura. Dentro de este género también podemos encontrar la ilustración infantil, de ciencia ficción, humor gráfico, cómic, animación, etc.

El mundo artístico está cambiando a una velocidad vertiginosa y muchas veces nos encontramos con que no sabemos definir diferencias entre técnicas o conceptos que nos llegan desde Estados Unidos.

Se manifiestan estos fundamentalmente a través de la caricatura, la historieta, los dibujos infantiles y fantásticos.

Sirve para acompañar un texto literario y dar información sobre él, creando imágenes alusivas lo que se narra.

15 de febrero de 2016 / ilustra

En cuanto a cómo se realizan las ilustraciones, volvemos a encontrar dos grandes tipos:

Ilustración tradicional: Es el tipo “clásico” de ilustración, en el que se dibuja y pinta a mano.

7.1 Ilustración+Tradicional

Ilustración digital: La ilustración digital, en cambio, usa las nuevas tecnologías (a través de diferentes tipos de software) para la producción de imágenes.

La que se emplea en revistas, diseño gráfico, portadas de CDs, carteles, diseño de webs, etc.

7.2 Juan Sebastián Wilches Bernal Colombia

Por: Juan Sebastián Wilches Bernal (Colombia)

15 de febrero de 2016 / ilustra

Los estilos de ilustración pueden ser tan diversos como los estilos artísticos; desde el arte primitivo hasta las últimas corrientes artísticas: Primitivo, griego, Renacimiento, Modernismo, Fauvismo, Impresionismo, Expresionismo, Dadaísmo, Surrealismo, Minimalismo, etc.

Al paso del tiempo los estilos se han combinado  dando lugar a nuevos estilos: Humorístico, de fantasía o ficción, manga, etc. Además puede decirse que cada ilustrador tiene su propio estilo personal aunque debe poder adaptarse a los requerimientos de cada cliente. A continuación les presentamos una lista de los más populares:

ILUSTRACIÓN EDITORIAL

Es uno de los más fascinantes retos a los que puede enfrentarse un artista gráfico. Desde su mesa de trabajo, el ilustrador “absorbe” el contenido de un texto, una historia, una noticia de prensa, “saca” la idea principal y la plasma en imágenes gráficas.

La que se emplea en revistas, periódicos, diseño gráfico, portadas de CDs, carteles, diseño de web, etc.

Bloc, Revista Internacional de Arte y Literatura Infantil · Nº 3, Abecedarios ilustrados Por: Noemí Villamuza (España)

Bloc, Revista Internacional de Arte y Literatura Infantil · Nº 3, Abecedarios ilustrados
Por: Noemí Villamuza (España)

ILUSTRACIÓN  PUBLICITARIA

Está destinada a acompañar o a dar forma y personalidad de una marca o producto. Lo importante de este tipo de ilustraciones es el impacto generado y la eficacia visual.

Se aplica a la etiquetas de los envases y al packaging de productos variados, folletos promocionales o carteles, y se usa para ofrecer una información sobre el producto a simple vista.

Por: Ariel Soto (México)

Por: Ariel Soto (México)

ILUSTRACIÓN PSICODÉLICA

La psicodelia es un estado exaltado y revolucionario. Se caracteriza por la abundancia lineal y colorista.
El estilo psicodélico en pintura nació en los años 60, en diseño gráfico. Hoy en día se sigue utilizando con técnicas digitales y variaciones en el estilo inicial.
En los diseños predominan las formas radiales, espirales, clonaciones, repeticiones, expansiones de formas… Igual que si estuviésemos drogados y viésemos el mundo con gran transtorno mental.
El resultado es un mundo con leyes propias, sin gravedad, sin leyes, libre y fantástico.
Destacan mucho las combinaciones de colores, tanto armónicas como contrastadas. Y por supuesto, el uso de la línea.

Por: Kristian Russel

Por: Kristian Russel

ILUSTRACIÓN  INFANTIL & JUVENIL

Entendida como las obras de creación para acompañar a textos en cuentos, libros impresos o digitales para niños y jóvenes  Abarca un gran campo en el que se toma en cuenta la edad de los lectores y la categoría de las historias. Este tipo de ilustración debe ser clara y legible además de tener una unidad con el tema o argumento de acuerdo a la obra (narrativa, pedagógica, etc.).

Por: Edurme Lacunza (España)

Por: Edurme Lacunza (España)

ILUSTRACIÓN  TÉCNICA

La ilustración ha ganado un campo importante en los avances tecnológicos y científicos de hoy en día, siendo esencial para explicar el funcionamiento de máquinas, aparatos o sistemas, a través de gráficos, esquemas y diagramas.

Por: Kevin C. Hulsey (USA)

ILUSTRACIÓN HIPERREALISTA

El hiperrealismo es un estilo pictórico que nació en Estados Unidos tras el Pop Art y que se basa en la reproducción detallista y fotográfica de la realidad. También con este estilo existen el fotorrealismo y el realismo mágico, todos representando la realidad de modo realista y detallista pero con sus diferencia expresivas. La utilización de nuevas tecnologías, y sobretodo la fotografía, permiten al artista desarrollar este tipo de estilo muy difícil de realizar y que requiere un gran control de la técnica, tanto dibujo como color.

Por: Claudio Bravo (Chile)

Por: Claudio Bravo (Chile)

ILUSTRACIÓN CIENTÍFICA

Suelen ser imágenes realistas que facilitan el entendimiento de textos científicos, sea en libros de texto, en estudios, folletos explicativos, etc.

Son imágenes realistas que acompañan el texto escrito, realizadas a través de gravados generalmente, muy utilizadas en ramas como la anatomía o la ingeniería.

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Por: Mafalda Sofia Paiva (Portugal)

 

ILUSTRACIÓN MODA

Su utilidad abarca desde la inspiración para el diseñador hasta el estilo característico de los libros de moda, revistas y publicidad en general.

Por: Rubén Toledo (Cuba)

 

ILUSTRACIÓN DECORATIVA

Es la ilustración que acompaña a un texto para embellecer la página. Suelen ser ilustraciones marginales que enriquecen el diseño gráfico de las publicaciones, generalmente manchas, formas abstractas, detalles, etc.

Por: Pablo de Gracia (España)

ILUSTRACIÓN POP

El pop art surge en EEUU hacia 1958 y en Europa a mediados de los años 60. Es una corriente artística cuyos representantes emplean en sus obras formas y motivos tomados de los medios de comunicación de masas, propios de la sociedad de consumo, o bien productos industriales.

Las características del pop art son las siguientes:

Es figurativo y realista.

  • Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente) mediante trazados tramados, líneas sinuosas paralelas, contrastes bi o policromáticos, inversiones de figura y fondo, cambios de tamaño, combinaciones de formas y figuras ambiguas.
  • Diseños de formas geométrico-cromáticas simples, lineales o de masa en combinaciones complejas.
  • Composiciones meticulosamente realizadas.
  • Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos o en variación.
  • Ejecución de trazos definidos delineados con precisión.
  • Colores planos de contornos netos.
  • Colores puros, brillantes, fluorescentes, provocación.
  • Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición.
  • Una constante provocación llena de humor son algunas de las características más relevantes de este movimiento.
  • Participación del espectador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos.
  • Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecables entre lisos y uniformes.
  • Está ligado a los medios en el ambiente urbano y a los aspectos especiales de este: comics, publicidad, fotos, Hollywood, parques de diversiones, medios de masas en su faceta más sensacionalista, artículos domésticos.
  • Los motivos no son tradicionales (una lata de sopa, por ejemplo), lo que capta más la atención del público.
Por: Andy Warhol (USA)

Andy Warhol (USA)

ILUSTRACIÓN CÓMIC

Es la ilustración que interpreta un guion y permite plasmarlo de forma similar a una película de cine y cuenta una historia con personajes plenamente caracterizados por el autor.

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Condorito ~ Por: Pepo (Chile)

ILUSTRACIÓN HUMOR GRÁFICO

Transmite ingenio y humor de un individuo a través de una visión personal, por lo general caricaturesca, los aspectos técnicos quedan totalmente subordinados al ingenio y el talento personal.

Por: Javier Inga Martinez (Perú)

ILUSTRACIÓN PICTÓRICO UKIYO-E 

Ukiyo-e “pinturas del mundo flotante” o estampa japonesa. Es un género de grabados (realizados mediante xilografía o técnica de grabado en madera) producidos en Japón entre los siglos XVII y XX, entre los que se encuentran imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de alterne.

En el estilo pictórico Ukiyo-e predominan los siguientes elementos:

1. El dibujo lineal con contornos suaves. Las líneas son del tipo “sensible”. Generan formas elegantes en las figuras. Se representan con líneas formas que en la naturaleza no pueden verse, como el agua, las nubes, el fuego, etc.
Esto significa un gran esfuerzo del dibujo y un gran desarrollo lineal. El uso de la línea sensible genera la fuerza del estilo. Este es el elemento más importante. Las líneas que delimitan las formas, que contienen los colores, aportan serenidad y retienen las presiones, incluso cuando la temática requiere elementos psicológicamente más activos.


2. La armonía de los elementos en la composición. La dimensión en profundidad se genera con la reducción del tamaño hacia el fondo, la perspectiva y la degradación. Esto se hace con elementos de dibujo y color armónicos y suaves. No es un elemento fundamental del estilo pero si de la composición. Gracias a este sistema de profundidad se integra el conjunto con armonía, equilibrio y serenidad. No hay una composición incoherente visualmente sino que persigue la representación tal y como vemos las cosas. Dentro de estas composiciones con representación fiel a la realidad, se hace la selección de figuras y elementos de la imagen que aportan el tema del cuadro.

3. El color está delimitado por los contornos, así que tiene una función de relleno y estética en la mayoría de las ilustraciones. Si que existen algunas con una ruptura del contorno y un mayor uso del color potente. Pero aún así, predomina la serenidad del color y el uso estético, es decir, aporta belleza y calidad. Este tipo de color aporta a su vez un tipo de emoción controlada que si es un elemento importante para el estilo.

Por: Katsushika Hokusa

Por: Katsushika Hokusa

ILUSTRACIÓN DE PORTADAS

Debe estar de acuerdo al diseño general del libro o revista, a menudo se extiende por toda la cubierta. La ilustración está en relación con el tamaño de la portada en cuestión.

Por: Meritxell Ribas (España)

Por: Meritxell Ribas (España)

 

ILUSTRACIÓN DE MANGA & ANIME

El manga es un producto impreso, del mismo modo que las historietas, tiras cómicas o cómics. Y aunque generalmente se utiliza la palabra para referirse a las creaciones propias de Japón, dentro de dicho país se califica con el mismo término tanto a los cómics orientales como los occidentales.

Por: Enmanuel Gonzalez (México)

El anime, por su parte, es la forma animada de representar una historia. Así como las caricaturas o los cortometrajes animados, es frecuente destacar además del contenido narrativo o gráfico el aspecto musical.

ILUSTRACIÓN PUNK

El estilo gráfico y pictórico Punk se caracteriza por la expresión agresiva y rebelde, reflejando el carácter y filosofía Punk.

ilustración punk

Ilustración Punk

ILUSTRACIÓN FANTASÍA & CIENCIA FICCIÓN

La fantasía y ciencia ficción son géneros o subgéneros que pueden definirse como la intrusión de lo sobrenatural en un marco realista, o sea, aparición y desarrollo de hechos inexplicables, mundos maravillosos, personajes místicos, héroes míticos con poderes sobrenaturales , trolls, hadas, gnomos, elfos, brujos, dragones, monstruos  y caballeros.

Por: Luis Royo (España)

 

ILUSTRACIÓN CINE

La primer ilustración usada en el cine fue la del documental “Viaje a la luna” de 1905 En el cine Hollywoodense, la ilustración se ha usado desde las primeras películas mudas protagonizadas por Charles Chaplin El uso de las ilustraciones en el cine se hizo más común con las películas animadas de Walt Disney … le dan al ilustrador un nuevo límite imaginativo; el poder de crear nuevos mundos y nuevos ambientes insospechados para el mundo real y su imaginación cinematográfica. En la actualidad, con la diversa gama de programas de ilustración, se pueden hacer diversas propuestas de ilustraciones para películas… En México, la ilustración también ha evolucionado con el cine.. La era digital también ha dado oportunidad a creativos Mexicanos de realizar ilustraciones para películas.

Cine y ilustracion

Ilustración para cine

ILUSTRACIÓN PICTÓRICO: NAIF O ESTILO INGENUO

Este estilo es sencillo técnicamente pero resulta más complicado temáticamente. Lo que las obras pueden expresar con este estilo es infinito, no está sujeto a unos temas determinados. Pero en esta entrada solo trato el estilo en sí mismo, la forma y modos de hacer. Cada artista Naïf le aporta sus temas y contenidos.

Técnicamente es un estilo despreocupado por impresionar con una representación exacta de la realidad. Deja fluir la mano y permite que el estilo interno de la persona aflore y le de forma al mundo. Por esta pequeña libertad, que le permite el artista a su propia mano, surge una forma de representación íntima, sencilla y a la vez compleja, puesto que cada persona tiene una forma de dibujar y pintar. Cuando alguien copia el estilo de otro está forzando a su mano. Sin embargo, el estilo Naïf requiere que la persona deje surgir su propio estilo personal.

El estilo Naïf muere con la educación. En el momento que aprendemos a dibujar, a pintar de cierto modo o a componer pensando ciertas ideas más sofisticadas, el estilo íntimo y personal con el que nacemos todos y que nos es único y exclusivo, muere porque deja paso a ideas y conocimientos más sofisticados, pensados, adultos o simplemente, más educados.

Fernando Botero

Por: Fernando Botero (Colombia)

 

ILUSTRACIÓN  CONCEPT ART

Concept art, Wikipedia lo define del siguiente modo: “el objetivo principal [del concept art] es dar una representación visual de un diseño, idea y/o estado de ánimo para su uso en películas, videojuegos, animación o cómic antes de que se realice en el producto final”.

Concep Art ~ Indiana Jons

 

ILUSTRACIÓN FRACTAL

Es este un estilo experimental de creación abstracta. Se puede dominar el carácter de la forma pero no la forma concreta. Se puede hacer mucho juego con esta experimentación y extraer resultados asombrosos pero creo imposible el control total de la técnica.

Por: Roger Johnston

Por: Roger Johnston

ILUSTRACIÓN PARA VIDEOJUEGOS 

La industria del videojuego ha crecido hasta el punto de superar, a día de hoy, las cifras que se mueven en la industria cinematográfica. El desarrollo tecnológico y el ancho de banda en Internet permiten utilizar imágenes y gráficos 3D con un grado de detalle y unas texturas cada día más perfectas y más realistas. En España están surgiendo estudios que lanzan productos perfectamente competitivos con el mercado internacional. A medida que aparecen estudios nuevos o que amplían el número de videojuegos que realizan, crece la necesidad de incorporar nuevos desarrolladores, concept designers, grafistas, game/level designers, etc.

Por: Gonzalo Ordóñez (Chile)

Por: Gonzalo Ordóñez (Chile)

 

ILUSTRACIÓN GEOMÉTRICA

Las ilustraciones geométricas son una tendencia popular del diseño utilizado por los diseñadores modernos, que consiste en los bordes afilados y de vencer combinaciones de colores. Hemos recopilado una colección de algunos de los mejores diseños geométricos vibrantes. Esperamos que esta tendencia de diseño siga creciendo, y más diseñadores adopten esta forma única de producción de ilustraciones.

Por: Sergio Gómez (España)

Por: Sergio Gómez (España)

15 de febrero de 2016 / ilustra

PLUMA Y TINTA

Es uno de los medios tradicionales de ilustración que no pasa de moda, la calidad del dibujo es crucial, necesita mucha dedicación.

Tinta y pluma

federico abuye tinta china

Por: Federico Abuyé (Argentina)

LÁPIZ Y CARBONCILLO

Generalmente estos ilustradores proceden de escuelas de arte y tienen formación de dibujo al natural, tienen tonos clásicos y son usados para distintos temas.

Lápiz y carboncillo

Lápiz y carboncillo

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Por: Juan Osorno (Colombia)

 

LÁPICES DE COLORES/ MARCADORES

El color permite muchas tonalidades, conserva el sentido de dibujo.

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Lápices de colores

Fernando Sciotto

Por: Fernando Sciotto (Argentina)

 

ACRÍLICO Y ÓLEO

El acrílico puede emular la acuarela y es a la vez perecido al óleo, sin embargo es más cómodo para el ilustrador teniendo en cuenta su fácil secado.

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Acrílico y óleo

acrílico

Por: Alexander Corrales (Costa Rica)

 

PASTEL

Medio asociado con ilustraciones suaves e irreales, el pastel puede usarse de distintas formas, sus colores limpios y puros no son usados para detalles pequeños, generalmente se usa para grandes superficies.

pasteles

Pasteles

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Por: Rosario Elizalde (Chile)

 

GOAUCHE

El gouache es una acuarela opaca. Es distinto de la pintura transparente sobre papeles brillantes, si uno quiere, puede pintar aplicando campos lisos, con líneas precisas, pero normalmente es utilizado para producir un efecto de pinceladas con un flujo espontáneo.

Gouache

Gouache

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Por: Cristina Serrat (España)

 

ACUARELA

La acuarela es un tipo de pintura en la que los pigmentos, finamente molidos, se aglutinan con goma arábiga. Debido a ello puede mezclarse con gran cantidad de agua, sin que pierda la adherencia sobre el soporte de papel.

La principal cualidad de esta técnica es la transparencia de los colores, y su mayor dificultad estriba en el hecho de que es muy difícil corregir un fallo. Su técnica es rápida, espontánea y requiere de una gran destreza y soltura.

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Acuarelas

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Por: Cristina Serrat (España)

COLLAGE

Se puso de moda en los sesenta, los recortes permiten realizar buenos resultados gráficos, son flexibles en cuantos a la escala manteniendo los detalles más pequeños.

COLLAGE

Por: Derek Gores (USA)

DIGITAL

Son ilustraciones realizadas por ordenador, existen programas que emulan las técnicas reales, sin embargo la técnica vectorial es la más interesante en este campo.

Es aquel trabajo de ilustración gráfica que ha sido creado usando tecnologías informáticas. Para ello el ilustrador usa ordenadores u otros dispositivos electrónicos con herramientas que le permiten dibujar como ratones, lápices ópticos, tabletas gráficas o pantallas táctiles.

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Gerald Mendez (México)

 

AEROGRAFÍA

La aerografía es una técnica de la ilustración que, mediante la utilización de un dispositivo neumático llamado aerógrafo, logra crear dibujos, ilustraciones o diseños en innumerables tipos de sustratos y superficies. El aerógrafo puede ser de dos tipos distintos: los de acción simple y doble. Se diferencian uno de otro por la función del botón-gatillo.

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Aerógrafo

Adriano Ayerbe

Por: Adriano Ayerbe (Colombia)

 

GRAFITI

Es una técnica pictórica de muy reciente creación y que consiste en pintar con pintura de spray en paredes, objetos urbanos, medios de transporte urbanos y otros elementos de la ciudad.

Inicialmente, la “pintada en la pared” es una expresión rápida para dejar escrito un mensaje, una protesta, una idea o solo el nombre de alguien.

La evolución comienza cuando el grafiti se empieza a usar como firma (los “tag”) y para señalar la presencia de alguien en un sitio. El grafiti deja de expresar una idea concreta, algo sobre alguna idea o sobre alguien, y en su lugar, se centra en el autor que ha pintado una firma, a sabiendas de que esa firma se hace famosa, puesto que está en un sitio donde mucha gente la puede ver.  A partir de aquí evoluciona la estética de la tipografía, se trabaja más el diseño de las formas, los colores y la composición. Todo esto unido a la ilustración y las pinturas.

Spray para grafiti

Spray para grafiti

Existen tres formas de diseño dentro del estilo grafiti:

1. El diseño tipográfico: En este entran igual los Tag (las firmas) y los textos que generan en sí mismos toda la imagen.

Por Elliot Tupac

Por: Elliot Tupac (Perú)

2. Las ilustraciones: Dibujos y pinturas de todo tipo. Lo único que tienen en común las diversas ilustraciones (de diversos estilos pictóricos) es el soporte y las características de pintar con spray. Pero además, principalmente las ilustraciones expresan dos movimientos culturales muy fuertes: El punk y la cultura Hip Hop.El estilo punk hace ilustraciones más agresivas y pintura más desbordante, dibujos no bien definidos y elementos como borrones, tachaduras y nerviosismo pictórico.El estilo hip hop en grafiti genera:– Dibujos de personas vestida al “estilo afro”, con gorras, zapatillas de deporte, pantalones anchos, etc. (El estilo callejero hip hop proviene de los afro-americanos).– Juventud rebelde, bailes, música y relaciones en la calle.– Los gestos corporales provocadores. Y con ello también las formas o deformaciones expresivas y rebeldes.Por supuesto las ilustraciones van acompañadas de las firmas.

Por: Edgar Flores

Por: Edgar Flores (México)

3. Grafiti tipográfico: Que se convierten en formas de diseño en la imagen y adquieren abstracción.

TÉCNICAS MIXTAS

El término técnica mixta se refiere a la técnica de utilizar dos o más técnicas artísticas como dibujo, óleo o collage, combinadas en una única obra.

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Por: Cristina Serrat (España) ~ Técnica mixta: Acuarela + Gouache.

FOTOMONTAJE

Fotomontaje es la técnica que combina la fotografía con la ilustración para crear imágenes de alto impacto publicitario.

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Por: Martín de Pasquale (Argentina)

ESGRAFIADO

El scratchboard (esgrafiado en español) es una técnica artística a medio camino entre el dibujo y el grabado, con la que se logran imágenes impactantes y realistas a una sola tinta. Y puedes hacerlo desde tu propia casa.

Esta técnica se asemeja mucho al grabado, con la ventaja de que para su ejecución no hace falta ningún tipo de maquinaria, siendo así mucho más fácil de recrear.

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Cera para Esgrafiado

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Por: Yanet Lombana (Colombia)

TINTA CHINA

La tinta china es una técnica milenaria usada principalmente en caligrafía china y japonesa, se utiliza para dibujar en blanco y negro principalmente, aunque hay de muchos colores. Se trabaja mucho el dibujo y los efectos con pinceladas.

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Tinta china

Por Herber Crispin

Por: Herber Crispin (Guatemala)

ROTULADOR O MARCADORES

EL rotulador es un invento japonés de principios de los 60, es la consecuencia de la evolución del pincel. Lo más correcto sería llamarle, pluma de fieltro, puesto que tienen depósito como algunos pinceles japoneses.

Los rotuladores Copic son posiblemente los mejores rotuladores o al menos los más usados para colorear ilustraciones. De gran calidad y con una gran variedad de colores se utilizan para los trabajos profesionales. La marca que los fabrica es la empresa japonesa Too.

Existen más marcas que comercializan rotuladores: Staedtler, Pentel, Stabilo, Royal Sovereign Magic Marker o Letraset, siendo esta última con su serie Tria Pantone la más profesional.

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Rotuladores o marcadores

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Por: Bryan Mafla (Ecuador)

15 de febrero de 2016 / ilustra
COLORNOMBREAdjetivos (Ambrose – Harris )
Rojo escarlataExcitante, agresivo, dramático, dinámico
Rojo ladrilloSeguro, natural, fuerte
Rojo cálidoSeductor, provocativo, sensual
Rosa intenso / MagentaApasionado, extravagante, llamativo
Rosa claroDulce, delicado, femenino
Rosa grisáceoRomántico, exquisito, tierno, sentimental
MalvaSereno, sutil, meloso
BorgoñaOpulento, rico, intenso, suntuoso
FucsiaVoluptuoso, energético, teatral, divertido
TerracotaPicante, cálido, étnico, saludable
NaranjaDivertido, radiante, vital; el más cálido de los colores
MelocotónSano, suave, delicado, táctil y aterciopelado
Amarillo canarioEsperanza, alegría, cobardía, engaño
Amarillo claroInspirador, cálido, relajante, brumoso, veraniego
Amarillo doradoSoleado, otoñal, cocido
Amarillo verdosoLimón, ácido, frutal, picante, agudo
CremaDenso, rico, limpio, clásico, simple
BeigeResponsable, flexible, suave, atemporal
MarrónSaludable, terrenal, responsable, cordial
Café / ChocolateSuculento, duradero, delicioso
PardoSeguro, práctico, orgánico, rústico
LilaFemenino, refinado, elegante, grácil
LavandaFloral, aromático, nostálgico, excéntrico
PúrpuraSensual, futurista, acogedor
Púrpura oscuroMajestuoso, caro, regio
CiruelaCon cuerpo, orondo, sofisticado, singular
VioletaMisterioso, fantasía, espiritual, floral
Verde azuladoFresco, caro, seguro de sí mismo, moderno
Azul eléctricoDinámico, atractivo, audaz, estimulante
Azul marinoUniforme, fiable, seguro, tradicional, constante
UltramarComprometido, dramático, profesional, vivo
Azul celesteRelajante, alegre, de confianza
TurquesaSanador, espiritual, místico, exótico
Azul claroBonito, juvenil, sereno, tranquilo, acogedor, tenue
VerdemarFluido, refrescante, purificador, energizante
Verde oscuroNatural, orgánico, abundante, exquisito
Verde claroJuvenil, comestible, nauseabundo
Verde olivaClásico, apagado, turbio, duradero
CaquiUniforme, camuflaje, militar, con iniciativa
LimaÁcido, cítrico, refescante, jugoso, entusiasta
BlancoPuro, inocente, bueno, clínico
DoradoRiqueza, lujo, exceso, suerte, tradición
PlateadoPrestigioso, suntuoso, fresco, metálico
BronceCálido, tradición, perdurable, rústico
NegroMágico, dramático, elegante, siniestro, audaz
CarbónSofisticado, sobrio, profesional
Gris frioAustero, reputado, triste
Gris cálidoContemplativo, experimentado, sobrio
15 de febrero de 2016 / ilustra
Según cómo afrontemos la Teoría del color podemos entenderlo como algo muy complejo que nos lleve toda una vida de reflexión o como algo completamente incompresible. Pero en este tutorial queremos ilustrar con unas pinceladas la importancia de conocer esta teoría y lo más destacado para que cada uno pueda entenderla y sea libre para divagar, o no, según crea conveniente.
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Dos conceptos que nos suenan…

RGB y CMYK, seguro que en muchas ocasiones hemos visto, estos dos conceptos, sobre todo en el mundo de la informátiva. Estos valores son las siglas que se emplean para indicar los colores que vemos en la pantalla. RGB significa Rojo, Verde y Azul; mientras que CMYK (más empleado para impresión) significa Rojo, Amarillo, Azul y Negro. Con estos tres colores el ordenador puede hacer todas las combinaciones posibles para plasmar en la pantalla (o en el papel si de trata de una impresión) todas las tonalidades necesarias para reproducir los colores de una imagen.

En pintura…

Saliendo del mundo informático, sencillo de comprender porque no nos exige un gran conocimiento, tan solo con saber su significado nos basta para un control a nivel usuario-profesional, nos trasladamos al mundo que más nos afecta y que tenemos que estudiar con mayor hincapié.
En cuanto a las ruedas y escalas de color más comunes para el mundo de la pintura y el arte en general, se utiliza el sistema RYB (rojo, amarillo, azul). A partir de estos tres colores, llamados “primarios”, comienza la teoría del color. Ésta teoría supone el conjunto de reglas básicas en la mezcla de colores que se han de seguir para obtener un determinado tono con la luz y cantidad de pigmento necesario.
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Johann Wolfgang von Goethe, 1809 – Tutoriales totenart.com

Teoría del color comienza a tomar forma de la mano del poeta y científico Johann Wolfgang von Goethe que propuso el circulo de color que vemos en la ilustración anterior. En él ya se comprende el circulo previo establecido por Isaac Newton, pero con los colores espectrales que Goethe comprendía.
Por su parte, otro estudioso del tema, Wilhelm Ostwaild, químico y filósofo alemán optó por una teoría del color basada en cuatro sensaciones cromáticas (amarillo, rojo, azul y verde y dos sensaciones acromáticas intermedias.

Rueda de color

La construcción de rueda sirve como una síntesis de todo lo anteriormente escrito. Hay muchas variantes del Ruedas del color, lo importantes es que sirvan como guía para conocer las escalas tonales intermedias que se obtienen combinando los tres colores básicos.

 
Son muchas las opciones de rueda, hemos escogido esta por la sencillez que presenta para describirla, aunque en cuanto a los tonos, hubiéramos preferido escoger un tono rojizo más rebajado, un magenta.
Lo importante de este circulo es el triángulo central, que contiene los tres colores primarios y sobre ellos otros triángulos que completan una figura hexagonal  son los colores secundarios es decir los que se obtienen por conjunción de los dos colores que tocan en la base del triángulo.
Por último el circulo exterior nos ofrece más variaciones en función del porcentaje que se incluya para la obtención del tono.
Por. totenart.com
15 de febrero de 2016 / ilustra

– All city: Cuando un writer o crew es el mejor en la ciudad o tiene un estatus reconocido en todos lados.

– Bench: Una estación en la que los writers se congregan para observar los trenes.

– Bite: Es el nombre que se le da al plagio.

– Blackbook: Libro negro de tapas duras, típico de los ochenta, donde hacer los bocetos.

– Block buster: Una pieza de letras alargadas que va desde un extremo a otro del vagón, y por debajo del nivel de las ventanas.

– Bombing: Cuando un writer dibuja su nombre por todas partes.

– Buff: Es la eliminación de los trabajos de writing.

– Burn: Se refiere a una pieza realmente buena con un gran estilo.

– Burner: Una pieza de wildstyle hecha en colores brillantes.

– Character: Son caricaturas tomadas de comics, libros o Tv o de la cultura popular para añadir humor o énfasis a la pieza. En algunas piezas el carácter toma el lugar de una letra en la palabra.

– Cloud: Estilo que se aplica en los inicios del graffiti, se aplicaba en las piezas, es una especie de fondo que se les daba cuando pintaban en el metro.

– Computer Style: Estilo ordenador, es un tipo de wildstyle que parece pixelado o digitalizado, como sacado de la computadora.

– Crew: Grupo de writers que practican en equipo.

– Crossing out: Cuando un writer utiliza el nombre de otro, algo muy despreciado en la comunidad del writing.

– Cutting Tips: Es una manera de cortar los caps para modificarlos.

-Ding dong: Un vagón hecho de acero. El nombre proviene de la campana que avisa que las puertas se cierran.

– Dope: Originalmente un término de rap/hiphop que quiere decir cool.

– Down: Cuando estas con alguien en algo, Ya sea pintando, bailando, escribiendo con tu crew.

– Drips: Es un efecto de goteado o chorreado que se les da a los tags. Este efecto muchas veces es una marca de identificación de un toy, aunque si es intencional por parte del writer es aceptable. Este estilo se originó en el metro subterráneo de NY.

– Kill: El acto del bombing realizado de manera excesiva.

– Flats: Vagones recubiertos con superficies planas muy apreciados por los writers de la old school.

– Floaters: Son Throw ups, que están hechos al nivel de las ventanas de los vagones.

– Going over: Pintar encima del nombre de otros writers. Esto se considera un acto de desprecio.

– Graffiti: proviene de la palabra griega graphein que significa escribir.

– Lay up: Vía del metro en la que están aparcados los vagones en horas no punta.

– Motion tagging: Pintar en los vagones de metro mientras están en movimiento.

– New school: Escuela nueva, la escena del writing posterior a 1984.

– Old school: Escuela antigua, la escena del writing anterior a 1984.

– Out line: Línea que delimita el graffiti por fuera, normalmente de otro color.

– Panel piece: Una pieza realizada debajo de las ventanas y entre las puertas de los vagones.

– Piece: Pieza, la obra de un writer.

– Plata: Pieza sencilla a dos colores, normalmente en negro y plateado, de ahí el nombre.

– Rack: Una tienda donde se puede robar.

– Racking: Robo o hurto, normalmente de sprays para poder pintar.

– Ridgie: Vagón de metro con arrugas en su superficie, poco apreciados para realizar burners, pero muy estimados por los artistas del Throw up.

– Steel: Cualquier tipo de tren. En la new school este término se utiliza para diferenciar entre los trabajos en los trenes y los realizados en la pared.

– Tag: Firma de persona o grupo de personas, expresando su apodo o alias.

– Throw up: Vomitada, trabajo que consiste en letras con filete, ya sea con o sin relleno.

– Top to bottom (T to B): Una pieza que se extiende desde lo más alto hasta la parte más baja de un vagón.

– Toy/Toyaco: Writer que ejerce sin tener ni idea.

– Tips o Caps: Pitones de los botes de spray que se intercambian para conseguir diferentes anchuras en el trazo.

– Wall paper: Cuando se repite un nombre el suficiente número de veces como para desarrollar un patrón similar al del papel de la pared.

– Wildstyle: Estilo salvaje, son graffitis como Throw ups pero más complicados y estilizados.

– Writer: El que practica el arte del writing.

15 de febrero de 2016 / ilustra

Un compresor de aerografía es la maquina que provee o inyecta el aire en el aerógrafo.

Existen muchos tipos y marcas diferentes.  Aquí os mostramos las  opciones básicas:

Compresores profesionales grandes con calderín:

Los compresores profesionales, son ideales para los talleres de trabajo en donde se necesita conectar varios aerógrafos al mismo tiempo. (Talleres de cerámica , textiles, talleres de personalización de vehículos y allá donde trabajen varias personas)

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Son muy rápidos cargando, muy duros y resistentes, pero generan un problema: el ruido.

¿Como podemos solucionarlo?

Sencillo.

Fabricamos una caja forrada en su interior con aislante acústico, facil de encontrar en grandes almacenes de bricolaje. Dejamos orificios de entrada y salida de aire, fijando en uno de ellos un pequeño estractor de aire. Con eso nos libramos del ruido y el compresor trabaja bien.

Son muy eficientes para tareas donde el requerimiento de aire es mayor que lo usual en aerografía.

Consejo: es útil tener en el habitáculo un termómetro de máximas y mínimas temperaturas para comprobar que no trabaje a excesivas temperaturas.

Compresores especiales para aerografía, silenciosos y con calderín.

Llamamos a estos compresores especiales para aerografía, por estar especialmente diseñados para esa actividad.

Son relativamente pequeños, de fácil colocación en un estudio, al lado de la mesa de trabajo. muy manejables y de muy fácil transporte.

Su capacidad (100 libras de presión en general) los hacen altamente eficientes.

Son absolutamente silenciosos y vienen equipados con filtro de humedad, regulador de presión, presostato, válvula de seguridad y sus manómetros correspondientes.

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Compresores directos a diafragma (nebulizador):

Llamamos a estos compresores especiales para aerografía, por estar especialmente diseñados para esa actividad.

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Su capacidad (100 libras de presión en general) los hacen altamente eficientes.

Son absolutamente silenciosos y vienen equipados con filtro de humedad, regulador de presión, presostato, válvula de seguridad y sus manómetros correspondientes.

Como lo indica su propio nombre, estos compresores funcionan por el continuo movimiento de un diafragma.

El calderín mantiene un flujo continuo de aire, estos compresores al carecer de el, envían aire interrumpidamente, y su presión es mas baja que cualquier compresor con calderín.

Puede ser mas barato, pero entorpece enormemente el trabajo con aerógrafo.

Un aspirante a profesional, no podrá aprender con estos aparatos.

Nebulizadores a pistón:

No son aptos para aerografía.

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Carecen de potencia suficiente para el correcto funcionamiento del aerógrafo.

En realidad son aparatos médicos  para el tratamiento de niños con problemas respiratorios.

No poseen presostato, ni filtro de humedad, ni regulador de presión, indispensables en nuestro trabajo, lo que limita  mucho sus posibilidades creativas.

Es necesario apagarlos cada vez que interrumpes con tu aerógrafo la salida de aire, si no lo hacemos, el motor acaba por quemarse.

Ahorrar dinero aquí es buscar problemas. Desaconsejamos abiertamente este tipo de compresores.

Compresores transportables con pistón.

Con todas las características de los compresores profesionales pero con la virtud de ser fácilmente transportables… el mas pequeño recomendable.

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Filtro de humedad micrónico, manguera para rosca tipo Iwata, regulador de presión y tal como en un compresor grande posee manómetro de salida.

Muy livianos y de pequeñas dimensiones 16x16x17 cm. Recomendables en maquillaje, pastelería, modelismo, etc.

Y no muy ruidosos.

Eso si, son “el mínimo imprescindible”, no aptos para murales, grandes imprimaciones y trabajos de envergadura.

Latas de aire:

Los aerosoles son recipientes que contienen gas no tóxico a presión, para ser usados como suministro de aire.

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Una válvula especial es conectada a la parte superior, y ésta por medio de una manguera al aerógrafo.

La válvula superior se ajusta a medida que se acaba el aire o se pretende subir la presión.

Su carga es muy escasa y es lo mas probable que se acaben en el momento mas inoportuno.

Debemos reconocerles su practicidad ante una emergencia pero no es un elemento profesional eficiente.

¡Y son muy caras!

No es una solución.

A la tercera que compréis, os habréis arrepentido.

Mínimos componentes de un buen compresor:

Los compresores de aire son un elemento muy importante a la hora de su compra.

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El tanque de aire o calderín, garantiza aire continuo, sin flujos ni interrupciones.

El filtro de aire para que la humedad condensada en el tanque y la manguera no suba a través de la manguera y salpique desagradablemente nuestro original.

El regulador de presión, imprescindible para lograr diferentes efectos variando su potencia.

Un motor potente capaz de soportar un ritmo de trabajo constante, sin interrupciones por calentamiento o  cortes imprevistos que  nos obligen a dejar de usar nuestro aerógrafo .

Un presostato que apague y encienda el motor de recarga en función de la presión interna del calderín, para asegurar el flujo constante de aire.

Compresores autónomos de batería recargable.

Son lo último en compresores para aerografía.

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Se alimentan de baterías recargables con autonomía de unas dos horas.

Se venden con cinturón para acoplar al arista y facilitar al máximo su trabajo.

Máxima movilidad de acción.

Ideales para trabajos “medianos” (no imprimaciones, grandes fondos etc) que precisen movilidad: maquilladores, caricaturistas etc.

Tienen regulador de presión. Son básicos, pero sirven bien a su propósito.

De precio moderado. Si se ajusta a tu perfil de trabajo, no lo dudes, es una buena inversión.

http://www.academiac10.com/

15 de febrero de 2016 / ilustra

Si eres un diseñador inexperto en tipografía o bien, eres experto en la materia, debes conocer una guía ilustrada en la que se explican los términos de una forma bastante agradable.

Pixel77 publicó un artículo en el que se muestran 21 ilustraciones para aprender o consultar los secretos detrás de la tipografía, por lo que es una grandiosa herramienta para aquellos apasionados de las letras.

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Abertura
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Línea base
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Ascendente
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Descendente
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Mayúscula
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Minúscula
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Serifa o serif
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Hombro
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Asta
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Altura de equis
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Anillo
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Ojo
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Trazo diagonal
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Anatomy

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Brazo
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Pata
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Travesaño o cruz
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Gota, lóbulo o lágrima
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TRazo
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Ápice
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Cola

Vía: paredro.com

15 de febrero de 2016 / ilustra

Imagínate esto: un hermoso taller de joyas, una estación de soldadura, un yunque en un bonito viejo tocón de madera gastada, un banco de joyería hecha a mano, y en la parte superior de éste,  una pila de joyas terminadas… Detrás de la mesa se encuentra un artesano que todavía no ha vendido ni una sola de sus creaciones. ¿Qué es lo que ha contenido a este talentoso artista de vender? En todos mis años de experiencia, he estado escuchando muchas historias, y puedo concluir que el poner precio al trabajo es uno de los pasos más intimidadores a la hora de vender, y a la vez es uno de los motivos más usuales para retrasar la apertura de una tienda en Etsy. Aquí compartiré mi fórmula favorita, y así pretendo entregar toda la confianza para salir y vender!

Conoce la fórmula

Mi fórmula favorita:

Materiales + Mano de obra + Gastos + Ganancia = Precio de venta al por mayor x 2 = Precio de venta

La tomé de la increíble Megan Auman. Lo que me gusta de esta fórmula es que tu ganancia se contabiliza adecuadamente.

Ahora iremos por parte y explicaremos cada una de ellas.

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Materiales
Asegúrate de cubrir todos los gastos de materiales. A menudo nos olvidamos de las pequeñas cosas, como el costo del hilo, y de las cosas más grandes, como el costo de los envases. Si vas a “estimar”, ¡estima al alza!

Mano de obra
Si alguien quisiera contratarte y te ofrece $ 7 la hora, ¿qué pensarías del trato? Sé un buen jefe e investiga un poco. ¿Cuánto cuesta que una costurera haga algo en San Francisco? ¡Descubre! (También recuerda, tú eres más que una modista – eres el diseñador, el departamento de marketing, el contador, el conserje y el auxiliar administrativo).

Gastos
El embalaje, el e-book que compraste a las 3 de la madrugada, el alquiler del taller, los billetes de autobús para ir a tu estudio todos los días, una nueva escala para ir a la estación de envío. ¿Cómo diablos puede encajar todas estas cosas en el precio de un solo producto?

Aquí está una forma de hacerlo:

1. Anota todos los gastos que te puedas imaginar – por ejemplo, incluye los honorarios de Etsy, suministros img_1936de oficina, renta o utilidades.
2. A continuación, piensa el número de artículos que deseas vender al mes. Divide este número por los gastos totales.

Sugerencia: Empieza a hacer dos cosas para llegar a un precio aún más exacto:

1. Controla tus gastos con cuidado para que puedas volver a esta fórmula a  medida que aprendes más sobre la venta. Como sugerencia puedes comenzar a usarOutright – una herramienta en línea gratuita de contabilidad.
2. Comienza a deducir las grandes inversiones. ¿Cuántos artículos puedes hacer con esa máquina de coser? ¿Cuánto tiempo durará esa impresora de etiquetas antes de tener que ser reemplazada?

Ganancia
Piensa bien: ¿a dónde quieres llegar con este negocio? ¿Quieres dejar tu trabajo? ¿Quieres pagar un préstamo estudiantil? La contabilidad de las ganancias te ayudará a llegar a tu meta. Este número dependerá de lo que estás vendiendo y podría ayudar a alguien como un grabador, cuyo costos de materiales son bajos, al igual que sus horas de trabajo; pero deberían pagarte tu talento único y tu punto de vista! Dejo esto a tu criterio.

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Uniéndolo todo

Con todo esto sacamos nuestro precio al por mayor. Algunos de vosotros pensaréis “¿ y por qué no usar este precio en nuestra tienda Etsy?”. “¿No sería una buena forma de vender a un precio asequible?” No, no, no. Y aquí la razón de por qué te voy a suplicar que dupliques tu precio al por mayor y que vendas tu trabajo a un precio de venta real:

1. Vender tu trabajo a un ritmo de mayoreo infravalora a los demás artesanos que usan precios de venta adecuados.Cuando la mayoría de los vendedores en una categoría ponen precios razonadamente, esto beneficia a toda la categoría.

2. Los clientes se preguntan: “¿Por qué?” ¿Por qué tu trabajo es mucho más barato que el del resto? ¿Es porque no está hecho a mano? ¿Es porque utilizas materiales de baja calidad? Tus precios cuentan una historia: ¡Haz que la historia sea buena!

3. Te estás poniendo en desventaja. Digamos que un gran especialista se acerca a ti y te dice: “Nos gustaría comprar 100 de estos artículos. Por favor, háganos saber cuáles son sus precios al por mayor”. Ésta es una gran oportunidad; una oportunidad que no puedes permitirte.

¿Acabas de llegar a un precio del que estás seguro de que el mercado no va a responder? Aquí está el truco: si el producto tiene un precio demasiado elevado, no es el precio el que debes cambiar; es el diseño o la forma de producir el producto. Sé creativo y ve cómo se pueden ajustar los costes. ¿Se pueden comprar materiales en descuento a granel? ¿Puedes producir la obra en serie, puedes reducir la mano de obra? No tomes el camino más fácil al recortar sus precios.

Recuerda, los precios justos te permitirán alcanzar tus objetivos de mini empresario.

Por. Etsy

14 de febrero de 2016 / ilustra

Queridos usuarios:

La ilustración es una forma de comunicación que goza de una larga tradición; pero, desde la entrada en escena de los programas informáticos y otros medios de ilustración, esta actividad se ha diversificado y abierto camino rápidamente creando un sinfín de posibilidades.

Esta página informativo busca  generar un espacio que acoja a quienes desean ser artistas gráficos de manera que puedan aprender más sobre el increíble mundo de la ilustración, compartiendo y guiando a todos aquellos interesados en incursionar en este bello mundo creativo.

Para esto hemos recopilado información de las diferentes áreas de la ilustración  que dejamos a disposición de ustedes con la intención de que, a partir de estos contenidos, podamos generar y enriquecer las conversaciones a la vez que guiamos y estimulamos a todos nuestros miembros.

Éste es el objetivo principal de esta plataforma y a la vez resulta un desafío importante para nosotros, así que desde ya invitamos a todas las personas e instituciones a enviarnos aportes, contenidos, sugerencias a nuestro correo electrónico info@ilustra.org

Deseamos que  esta sea una plataforma  digital interactiva y que vaya creciendo con el aporte de todos.

Desde ya les agradecemos su colaboración, enviándole un abrazo cariñoso a cada uno de ustedes.

Recursos:

  • ABCPEDIA
  • Slideshare
  • Wikipedia. Ilustración
  • RAE
  • Escuela de bellas artes de Barcelona
  • Ilustrando
  • Blog ilustración editorial y publicitaria
  • totenart.com

Si estás interesado en colaborar con nuestro proyecto y enviarnos un texto puedes ponerte en contacto con nosotros a través de la dirección de correo electrónico info@ilustra.org

Las publicaciones seleccionadas se adaptan a unos criterios de calidad que cumplan las expectativas de nuestra comunidad y garanticen un contenido adecuado a nuestra misión: Relevancia técnica y a fin del contenido, adecuado nivel de redacción, carácter divulgativo y un enfoque positivo son tomadas en consideración.

Muchas gracias

11 de febrero de 2016 / ilustra

¿Qué son los GIF animados o archivos de imágenes con movimiento?

Los GIFs (Graphics Interchange Format o Formato de Intercambio de Gráficos, en español) son un tipo de archivo que, sin ser un video, ofrece una serie de imágenes animadas que se suceden entre sí creando una secuencia visual muy atractiva para el público.

Los GIFs aportan contenido ligero, generalmente humorístico, de forma rápida y visual lo cual resulta muy útil tanto para el ocio y entretenimiento, como para funciones comerciales: el ejemplo más claro lo encontramos en banners publicitarios.

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¿Cuáles son las ventajas de usar GIF animados o imágenes con movimiento?

Hablando en términos de potenciar una estrategia en redes sociales, un blog o una tienda online:

  • Nos permiten atraer con más facilidad la atención de nuestra audiencia.
  • Facilitan enfocar por más tiempo esa atención en un lugar determinado de nuestra página web.
  • Son un método ideal para retener por más tiempo y de manera natural, la atención de un potencial cliente sobre un producto en concreto de una tienda online (Ecommerce).
  • Son un complemento visual ideal para añadir a cualquiera de nuestros posts.
  • Ilustran fácilmente un fragmento de una guía o tutorial de nuestro blog.
  • Los GIF animados son una manera más llamativa de mostrar un producto en acción.
  • Estas imágenes con movimiento nos permiten señalar las bondades de utilizar un servicio profesional.
  • Podrían llegar a dar un toque más original a un correo electrónico de nuestra campaña de email marketing.
  • Hacen que los banner de promoción consigan más cantidad de clics.
  • En redes sociales, captan con mayor facilidad la atención de nuestros seguidores.
  • Obtienen una mayor viralidad (compartidos, me gusta, +1 o retuits) que las fotografías comunes.

Es tan indudable su importancia a día de hoy, que hasta la toda poderosa Facebook ha tenido recientemente que terminar cediendo y aceptar este tipo de archivos en su plataforma debido a la creciente tendencia de los usuarios y marcas de expresar sus ideas y graficar sus contenidos mediante este tipo de imágenes animadas.

¿Cuáles son las herramientas para crear GIF animados o imágenes con movimiento?

Con los grandes avances en tecnología y en herramientas para diseño gráfico, estos GIF animado graciosos o profesionales de los que hablamos son hoy por hoy más fáciles de diseñar. Existen muchas herramientas disponibles para el público para crear sus propios GIFs para distintos fines:

1) IMGUR.COM/VIDGIF

Imgur.com/vidgif es una herramienta online que nos permite pegar la URL de cualquiera de nuestros vídeos, para crear un archivo de imagen con movimiento a raíz de un fragmento del mismo.

Imgur

2) IMGFLIP

Imgflip es una de las aplicaciones online más completas que podremos encontrar, ella permite añadir cualquier dirección URL de un vídeo o subir uno nuestro desde el ordenador, para luego trasformar una parte del mismo en un archivo GIF animado.

También nos da la posibilidad de subir varias fotografías diferentes y convertirlas a todas en un solo archivo de imagen con movimiento o conjunto de diapositivas.

Los archivos creados en Imgflip tienen una marca de agua sutil en su opción gratuita, si queremos eliminarla deberíamos adquirir una cuenta mensual de pago.

imgflip

3) GIFMILL

GifMill es una App móvil gratuita para iPhone que nos permite crear imágenes con movimiento, que luego podremos compartir por mensaje de texto, email o redes sociales. GifMill, además, nos permite incluir texto y algunos filtros diferentes en cada cuerpo o cuadro de la animación.

gifmill

4) GIFFING TOOL

Giffing Tool es un programa para el sistema Windows que nos permitirá diseñar un GIF animado con algunas características como: dimensiones personalizadas, retocar los colores, subtítulos, filtros de vídeo, imagen en sentido inverso, etc.

Esta herramienta coloca, al igual que lo hace imgflip, una marca de agua en el pie del archivo. Para suprimir esa marca, se nos ofrece un llamativo modelo de “Paga lo que quieres”, es decir, por tan solo introducir una cantidad cualquiera recibimos acceso a la opción o versión pro.

5) GIFCAM

GifCam es una herramienta diseñada para ordenadores que convierte fotos y vídeos GIFs animados. El funcionamiento principal de este programa se basa en una pequeña ventana que permite capturar un grupo de fotografías de nuestro escritorio o un fragmento de un vídeo.

gifcam

6) CINEMAGR.AM

Cinemagr.am es una App móvil gratuita, que posee tanto una versión para Android como para iOS, para crear GIF animados en nuestros Smartphone.

Entre sus diferentes características, se destaca por sus atractivos efectos visuales, controles de velocidad, filtros, etc. Sin olvidarnos que también nos permite grabar vídeos cortos que podremos utilizar para compartir en las redes sociales que no soporten este formato de archivos.

Una de las cosas más interesantes de Cinemagr.am, es que ella cuenta con su propia comunidad social donde también podremos compartir los videos cortos que creemos y nuestras imágenes con movimiento con otros usuarios de esta aplicación móvil.

cinemagram

7) GIFS.COM

GIFs.com es lo que podríamos definir como un truco para convertir cualquier vídeo de la plataforma YouTube en un archivo GIF animado.

Pero, debemos tener en cuenta que GIFyoutube no nos aporta muchas posibilidades extras de personalización y solo ofrece archivos de 15 segundos como máximo.

Este simple truco en la URL de cualquier vídeo de YouTube, nos dejara crear nuestras propias fotografías animadas de una forma muy sencilla y rápida.

gifs

8) GIFSOUP

Gifsoup.com es una aplicación online para diseñar GIF animados directamente en internet. Para obtener nuestras imágenes con movimiento, solo debemos copiar y pegar la dirección URL de cualquier vídeo de la plataforma YouTube.

Además, Gifsoup también es un banco de fotos gratis, es decir, cuenta con una amplia diversidad de imágenes GIF que puedes descargar desde su página web de forma gratuita.

gifsoup

9) PICASION

Picasion.com es una aplicación online que funciona de una manera muy sencilla, ella permite subir fotografías de nuestro ordenador o de Flickr y Picasa para después crear animaciones GIF.

picasion

10) GIPHY

Giphy no es una herramienta o aplicación online para diseñar este tipo de archivos, sino que ella es un banco de imágenes GIF animadas.

Entonces, si lo único que queremos es encontrar algún contenido visualmente atractivo o divertido y que intente dar un toque más de humor a nuestras publicaciones en redes sociales, aquí lo encontraremos sin tener que diseñarlos nosotros mismos.

Giphy nos da la posibilidad de navegar por una extensa variedad de categorías organizadas por temas y gracias a ello encontrar de manera más sencilla lo que estamos buscando.

giphy

Créditos:

José Facchin

Nació en la ciudad de Córdoba (Argentina). Cuenta con estudios de “Analista en Sistemas de la Información” por la Universidad Tecnológica Nacional y en “Relaciones Públicas e Institucionales” por la Universidad Empresarial Siglo 21, a los que con el tiempo ha enriquecido con diferentes cursos como por ejemplo: “Dirección y Gestión de Recursos Humanos”, “Marketing Online”, “Branding” y “Community Manager”.

“Consultor de Marketing Online y Social Media”

¿Quién es José Facchin?

11 de febrero de 2016 / ilustra

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#1 ELIGE POCO Y BIEN

Sé realista a la hora de seleccionar el trabajo que vayas a mostrar. Tiene que tener la misma temática de la empresa en la que estás interesado, es decir, si ellos se dedican al libro de texto, al álbum ilustrado, a primeros lectores, cómic, etc tienes que tenerlo en cuenta para mostrarles solo ilustraciones que encajen en eso.

Además es mejor que les muestres pocas ilustraciones pero bien seleccionadas, es decir, tus mejores trabajos, porque todos sabemos la cantidad de portafolios que tienen que ver y el poco tiempo del que disponen. Así que aunque cueste, hay que elegir.

#2 MUESTRA UN ESTILO HOMOGÉNEO Y RECONOCIBLE

Otro factor que nos tiene que condicionar a la hora de seleccionar las ilustraciones que vamos a mostrar, es el del estilo. Todos tenemos ese dilema de por qué tenemos que ceñirnos a un solo estilo, por qué no pueden ser igualmente válidos distintos estilos que hagamos… pero es un tema muy sencillo. Uno puede tener todos los estilos que quiera, pero tiene que saber defenderlos como si fuera el único que tiene. Y cuando muestre un portafolio a una editorial por ejemplo, es lógico que esa editorial quiera ver un estilo único y reconocible, porque al fin y al cabo necesita confiar en que tú vas a ser capaz de realizar muchas ilustraciones con un mismo lenguaje visual, técnica, composición, línea…, que además se asocie a ti, ya que en muchos casos, ese es el gancho, el estilo reconocible del ilustrador que contratan en cuestión.

Así que aunque tengamos varios estilos o lenguajes distintos, tenemos que saber decidir cuándo y dónde mostrarlos, y mostrar un único estilo cada vez.

Nunca se deben mezclar. Esto es muy importante.

#3 CONTEXTUALIZA TU TRABAJO

En la mayoría de los casos, las ilustraciones van acompañadas o enmarcadas por un texto, por lo que es muy conveniente demostrar que sabemos trabajar los espacios y ubicar los textos dentro de las ilustraciones o las ilustraciones dentro o al lado de los textos. Si en cambio es ilustración para producto, es conveniente hacer un montaje realista para que se visualice cómo quedaría. Cualquier esfuerzo para acercar la ilustración a un trabajo final se agradecerá, porque se podrá analizar de manera mucho más directa la funcionalidad de tu trabajo.

#4 LLEVA UN PROYECTO MAQUETADO, ACABADO O EDITADO

Si tienes un proyecto maqueado, con algunas ilustraciones finales, es muy interesante que lo lleves y lo muestres, ya que, siendo realistas, las editoriales prefieren ver proyectos cerrados porque así la decisión es más sencilla. Lo editan o no lo editan. En cambio cuando mostramos ilustraciones sueltas, tienen que pensar con que escritor o proyecto te casan para poder editar algo por lo que es un proceso más largo, así que si les llevamos cosas acabadas, les facilitamos el trabajo.

Por otro lado, llevar trabajos ya editados demuestran tu experiencia y tu capacidad de resolver un encargo completo.

#5 TEN A MANO ORIGINALES O BOCETOS

Un complemento muy atractivo para mostrar son los originales y los bocetos, ya que en muchos casos nuestro trabajo acaba terminándose con herramientas digitales y gusta mucho ver la “mano” del ilustrador y el proceso de trabajo. Además no se transmite lo mismo con una ilustración impresa que con una original, así que siempre está bien tener alguna muestra a mano por si hay interesados.

#6 CUIDA EL DISEÑO GRÁFICO DEL PORTAFOLIO

Es muy importante cuidar la composición del conjunto del portafolio. Es indispensable establecer una estructura que se mantenga a lo largo de todas las páginas, seleccionar bien el orden en el que se verán las ilustraciones, dónde irá la información de cada una (trabajo personal, técnicas, cliente, proyecto, etc…), el ritmo y las temáticas que se mostrarán, etc.

#7 LLEVA TU TRABAJO EN EL FORMATO EN QUE SE USARÁ

Obviamente es una cuestión práctica para facilitar el trabajo a editores, directores de arte, agentes, productores, etc. Si quieres que te contraten para hacer libros ilustrados, lleva tu trabajo impreso, si quieres hacer proyectos digitales, lleva un portafolio en una tablet o en tu portátil, si es para producto, lleva un prototipo o muestra acabada de verdad, etc.

#8 SÉ PRÁCTICO A LA HORA DE ELEGIR TAMAÑO Y FORMA DE LA CARPETA

Muchas veces le damos muchas vueltas al contenedor, es decir, a la carpeta. Pensamos que tiene que ser original, diferente, que tiene que impresionar, etc. Pero la realidad es que es lo de dentro lo que tiene que impactar, por lo que no hay que darle muchas vueltas al tema.

Hay que elegir un formato práctico, es decir, entre A4 y A3 como máximo, esto es porque es más manejable, no te mueres cargándolo durante todo el día y además facilitas su visualización. Además tiene que ser resistente, ya que va a ser manoseado por mucha gente, y es una pena que hagas una obra de arte de la carpeta y que luego te de un patatús al ver que alguien la coge con las manos aceitosas después de haberse comido un bocata un minuto antes. Así que algo sencillo, cómodo, rápido de abrir, de pasar las páginas, de modificar por si en el futuro es necesario, y muy resistente. Si después de cumplir con estos requisitos quieres hacer una carpeta bonita, personalizada, etc, adelante.

#9 QUE TU INFORMACIÓN DE CONTACTO SIEMPRE ESTÉ MUY VISIBLE

Esta cuestión parece muy básica pero es algo que se nos olvida muy a menudo. Nuestro nombre, web, email y teléfono tienen que estar bien visibles siempre. Tenemos que conseguir que se acuerden de nosotros, que les sea fácil contactar, así que por favor, ponedlo al principio y al final de un portafolio, a un buen tamaño de letra en vuestra tarjeta y en vuestro recordatorio. No queráis pecar de modestos, porque al final solo vosotros saldréis perjudicados.

Por cierto, si alguien aún no tiene una web o blog o página de Behance o Domestika en condiciones, que se la haga YA. Es imprescindible. En serio. No podéis querer dedicaros a esto en serio si ni si quiera os auto-promocionáis con todas las opciones gratuitas que ofrece internet. Cualquier profesional que vea que no cuidáis este aspecto no os tomará en serio.

#10 HAZTE UNA TARJETA Y UNA MUESTRA DE TU TRABAJO PARA REGALAR

Por último y como complementos indispensables a un portafolio de calidad, debéis llevar encima siempre vuestra tarjeta, bien a mano para dársela a todo el que veáis interesado en vuestro trabajo, y además un complemento tipo tarjetón, tríptico, etc para regalar, donde aparezca claramente un ejemplo de vuestro trabajo y vuestra información bien visible, como hemos dicho antes.

Con respecto a la tarjeta y aquí englobo el diseño gráfico que tiene que existir en torno a vuestra figura como profesionales en general, es importante hacer hincapié en que os preocupéis en tomar decisiones que os ayuden a crear una identidad visual coherente que se pueda desarrollar en los siguientes elementos: vuestra tarjeta de visita, vuestros distintos perfiles en redes sociales y plataformas on·line, en vuestro portafolio y en los distintos elementos promocionales que podáis crear. Hay un elemento básico indispensable: vuestra firma o logo. Por favor, cread uno y mantenedlo. No uséis una firma distinta con una tipografía distinta cada vez. Seleccionad tipografías, colores, composiciones, formas, ilustraciones que creáis que os representan, y también fotos vuestras que os sirvan para vuestros perfiles profesionales en las redes sociales. Todo esto os ayudará a proyectaros como profesionales serios y generaréis más confianza en vuestro posibles clientes.

Con respecto al recordatorio, aquí sería interesante que generarais algo bien atractivo, porque al fin y al cabo, como su nombre indica, será un recordatorio de vuestra persona, así que no está de más darle un par de vueltas y pensar en hacer algo gracioso, original, interactivo, práctico, etc. para conseguir ser lo más memorables posible.

*Y SI NO TE TERMINAS DE ACLARAR Y QUIERES QUE TE ECHEMOS UNA MANO…

Sabemos que es mucho más complicado de lo que parece, que depende de muchos factores, que surgen muchas dudas, por eso, hemos creado un curso online personalizado que se llama “Illustration Portafolio Project”, diseñado para guiarte y darte las pautas necesarias para crear un portafolio potente según tus necesidades y tus inquietudes profesionales.

Más info aquí: CURSO ONLINE “ILLUSTRATION PORTAFOLIO PROJECT”

Via www.ilustrandodudas.com

11 de febrero de 2016 / ilustra

Esta es la pregunta más común que recibo de mis amigos artistas (fotógrafos, calígrafos, pintores, etc.), y es también la pregunta que más difícil de responder aunque también es la más fácil de ejecutar. Por alguna razón todos se sorprenden y se muestran incrédulos cuando descubren que la respuesta es bastante obvia y que además requiere un trabajo constante. ¡Obvio no significa fácil!, además, ¿Por qué hacerlo fácil si difícil también se puede?

Aunque este artículo le puede servir a cualquiera, está enfocado en especial para artistas de la imagen. Aquí vienen los TIPS del experto:

Un artista en internet debe vivir la ubicuidad.

Si, cuando de promocionarse por internet se trata, estar en todas partes es mejor, ¡Siempre! Es importante que olvides ciertas creencias erróneas tales como: “No publico mi trabajo porque me lo roban”, “No quiero que me encuentre la gente incorrecta”, “Mi trabajo no es para cualquier público”, etc. Podría seguir con la lista, pero la verdad me da dolor de cabeza solo pensar en las excusas tan bizarras que he escuchado.

Regla número uno: Entre más fácil te encuentren mejor… ¡Corrección!, entre más fácil encuentren tu trabajo mejor. Esto significa que publicar tu trabajo en internet es un DEBER SER, no una sugerencia.

Regla número dos: Tu trabajo debe estar en la mayor cantidad de comunidades para artistas posibles, en especial si son especialistas en el tema de imagen. Esto te servirá para construir tu reputación.

Regla número tres: Deja que te “roben”… Si… Como lo acabas de leer… Me explicaré mejor.
Por lo general los sitios como deviantart, flickr, etc., tienen reglas explicitas acerca de los derechos de autor, esto significa que de alguna manera no solo te ayudan a mostrar tu trabajo sino a protegerlo, regalarlo o lo que quieras hacer con él.
Si públicas, a manera de portafolio, trabajos que hiciste para un cliente y si alguien te lo “roba”, legalmente no tendrá que vérselas contigo sino con tu cliente que es quién tiene los derechos sobre las imágenes… Básicamente no debería importante.

Por regla general si te “roban” es porque tu trabajo es bueno, esto puede ser una medición para saber qué tan bueno eres en verdad. el tema. ¡Solo imagina las repercusiones de ser considerado experto en tu profesión! Entre más útil o de calidad sean tus contenidos, nadie te preguntará por certificaciones, estudios, etc. ¡El conocimiento que muestras y compartes será tu soporte!

El contenido es el rey y seguirá siendo el rey por siempre ¡Digan lo que digan!

Así es, todo se trata de contenido, reputación y relevancia. Como decía mi padre: “Entre más le des a la comunidad más te retribuirá”, al parecer el viejo ya era experto en redes sociales antes de la existencia del internet.
Publicar contenido es divertido y también es fácil, pero debes saber para quién, para que lo publicas y produces.

Contenido para regalar. Con lo gratis también ganas tú.

Regalar es importante, y lo será aún más en la medida en que le sirva a muchos. Si eres fotógrafo, diseñador, etc., tendrás muchas imágenes que no vendiste, que hiciste por placer, ocio o por aburrimiento y estarán en tus archivos hasta el día que tu disco se dañe o hasta que tú mismo lo olvides. Todo este

material gráfico a alguien le sirve, y ese alguien, en especial, ERES TU.

Si tienes contenido para regalar habrá quién te lo agradezca o quién te haga fama gratis. Crecerá también el tráfico al lugar donde publicas tu trabajo. Entre más gente te visite serás más relevante en internet y esto es bueno tanto para tu reputación como para SEO (optimización en motores de búsqueda).

Es más útil tal contenido regalado que oculto en tu PC o donde lo guardes.

Contenido para mostrarte a ti mismo.

¿Qué es un experto? Según el RAE es: “Práctico, hábil, experimentado.” Y ¿Según internet?… Bueno, existen muchos ejemplos de Blogs, Video Blogs, etc., de personas que son muy conocidas y que son consideradas expertos por las personas que los siguen, pero que no tienen una educación formal del tema que hablan. La razón es que por lo general estás personas son entusiastas, líderes online de un tema que les apasiona y lo más importante: COMPARTEN LO QUE SABEN Y APRENDEN. Y son expertos porque:

1.- Tienden a hablar como no expertos, es decir, cualquiera les entiende.

2.- Enseñan como aprendieron, sin complicaciones.

3.- No tienen celos de enseñar lo que aprenden por “guardar los secretos de la profesión”.

Hago énfasis en el punto 3, ¡Tales secretos no existen! O tienes la habilidad o no la tienes, no es un tema de tener unos datos.

Muéstrate como un experto.

Ostenta tu talento pero enséñalo también. Si das datos que ayudan a los otros a crecer seguirán consultándote, recomendándote y poco a poco conseguirás la fama de ser un experto en el tema. ¡Solo imagina las repercusiones de ser considerado experto en tu profesión! Entre más útil o de calidad sean tus contenidos, nadie te preguntará por certificaciones, estudios, etc. ¡El conocimiento que muestras y compartes será tu soporte!

Contenido para motores de búsqueda

SEO (Search Engine Optimization) para hacerlo simple, es tratar de que aparezcas de primero en Google y sus amigos cuando busquen lo que tú haces. En cuanto a buscadores existe un rey, Google. Y lo que dice el rey es lo que se hace, ¿Simple cierto?

Aquí te dejo unas recomendaciones para cuando publiques tu trabajo online:

1.- Usa nombres que sean fáciles de encontrar. Si tomas una foto de un mono, pues ponle mono al título, al nombre del archivo, a la descripción, etc. Así Google sabrá que tu foto es sobre un mono. Si es indispensable que tu obra tenga un nombre retórico, pónselo, pero asegúrate que en alguna parte de los datos de la foto pongas el contenido de la misma de manera descriptiva.

2.- Usa algo de tu material para distribuirlo de manera gratuita, si eres fotógrafo y tienes fotos de sobra, publícalas de manera Creative Commons. Cuando tengas muchas descargas o consultas te publicaran en otros sitios o te buscarán más. Así Google sabrá que eres relevante y experto en un tema.

3.- Usa todos los campos que las aplicaciones online te piden de las imágenes. Estos no están sin razón alguna.
Déjale metadatos a tus trabajos.

4.- Deja que usen tu trabajo para ilustrar artículos. Google sabrá mejor de que se trata la foto.

5.- Si usas marca de agua, hazlo de manera tal que aún sean útiles para otros. Con una pequeña firma o al URL de tu página en una esquina es suficiente.

6.- Deja tus datos de contacto siempre públicos y tu perfil en las redes sociales. Sino ¿Cómo te contactan?.

7.- Si estás usando una red social como Deviantart, Flickr, WordPress, Tumblr, linkedin, etc., es importante que intentes entender cómo funcionan sus buscadores internos, aclaro, entender no es volverte experto en SEO. Por tanto experimenta y aprende. Por ejemplo, si usas Linkedin, llena TODOS LOS DATOS QUE TE PIDEN, esto no solo ayuda a que aparezcas en los resultados de búsqueda de Linkedin, también sirve para Google y sus amigos. Entre experimento y experimento logre posicionarme de primero en google.com.co con las palabras “consultor seo bogota”.

Contenido social, humano y personal.

ANTE TODO SOMOS PERSONAS, todo el contenido que haces es para la gente, para interactuar, y los humanos interactuamos con nuestras emociones y necesidades. Ya hablamos del contenido gratis, ahora hablemos del contenido humano. Por ejemplo, si tienes twitter, una página en Facebook o en Google+, publica tus experiencias como profesional (Solo como profesional, lo personal déjaselos a tus amigos). Si te vas a tomar fotos a un safari, toma tu celular o tu mejor foto y compártela con un copy como “Para compartir con todos los amigos que me siguen, gracias por todo”. Tener buenos modales, mostrarte abierto, ser generoso, todo esto lo valoran las personas y crea una fidelización hacía ti.

No tengas miedo a mostrarte, si tienes tiempo crea videos, artículos de blog, etc., esto hace parte del contenido gratuito.
Actúa con tu comunidad, respóndele sus preguntas, discúlpate por no responder, has artículos para responder las preguntas que te hacen, la comunidad estará agradecida y valorará tu esfuerzo. No subestimes este trabajo, porque no es nada fácil. Tendrás que organizar tu tiempo.

Analiza, explora y aprende

Te estarás preguntando ¿Trabajo gratis? ¿Y para mi qué? Bueno, llegamos al punto donde le sacas el beneficio, donde se rentabiliza todo tu esfuerzo.

Analiza. Todo lo que ves en la comunidad, que saben ellos, que te preguntan, hasta donde sabes tu, que tan experto eres, QUE PIDE EL MERCADO, CUANTO ESTAN DISPUESTOS A PAGAR, etc.

No dudes que además de esto también aparecerán los que necesitan un trabajo tuyo para ellos, los que querrán que

hagas un curso para aprender más de ti o comprar tu libro porque confían en tus conocimientos.

Monetizar todos estos datos es parte de tu habilidad comercial y de lo que quieres hacer. Al final los datos son el verdadero dinero.

Explora. Para rentabilizar los datos debes, ante todo, saber qué quieres hacer y saber. Como bien supones los datos no vienen solos, hay que investigar. Por ejemplo, obtuviste más seguidores en Twitter cuando durante un mes hablaste más de fotografía comercial que artística o tuviste más likes en Facebook cuando las fotos eran románticas que cuando eran críticas. Todos estos datos te ayudan a saber cómo ganarte a la comunidad y como venderles mejor.

Aprende. Todo esto ¿Para qué? ¡Pues para aprender! No hay nadie que te enseñe mejor que un millón de personas preguntando, aportando, compartiendo ¡Y dándote dinero!

Primero lo comercial.

Esto más que un consejo, es un “si quieres”. No nos digamos mentiras, los clichés son fáciles de vender y además son útiles al momento de comunicar. O si quieres, úsalos como armas y no como tu expresión, ¡Pero úsalos en algún momento!

Todos los medios importan, internet es uno más.

Si, internet es bueno, importante y es un canal de comunicación de bajo costo (Ya sé que te quedo claro que con tanto esfuerzo no podríamos llamarlo gratuito). Pero no es el único, al final tu objetivo es que te vean, que te conozcan, que sepan de tu trabajo donde sea. Es por eso que si tienes espacio en el periódico regional para una columna, para una foto o diseño que donaste a una campaña de derechos humanos, etc., o cualquier otro medio que imprima tú nombre ¿Por qué no hacerlo? No se tu que pienses pero para mí ¡El artista se hace solo cuando muchos hablan de él!

http://detodounfo.co/

11 de febrero de 2016 / ilustra
Mis amigos, colegas y yo mismo, nos hemos dado cuenta recientemente de que la comunicación con los ilustradores se está descalabrando.  Muy a menudo lamentamos esta nueva tendencia. Cierto que quedan muchos directores de arte en este campo que se comunican con sus artistas de manera eficiente y eficaz, pero aparentemente hay otros tantos que llegan a la profesión sin que nadie les haya explicado cómo asignar un trabajo, o gestionar un proyecto. No culpo a estos individuos ni una pizca. Culpo a sus mentores, que fracasaron en la tarea de lanzarlos al mundo con buenas habilidades como comunicadores. O tal vez, culpo a que no tienen tiempo de adquirir práctica en las publicaciones, donde los directores de arte se contratan y despiden a velocidades cada vez mayores. Sea cual sea la razón, el problema persiste.
Por esto, he aquí una pequeña guía que nos conducirá a todos los involucrados en ello a una mejor comunicación, menos revisiones, trabajos mejores y menos dolores de cabeza.

1. TU PRIMER EMAIL NO DEBERÍA CONSISTIR SOLAMENTE EN UN “¿HEY, ESTÁS LIBRE PARA UN ENCARGO?”

Este tipo de mensaje es una pérdida de tiempo para todo el mundo, porque le falta toda la información importante: tamaño y número de ilustraciones, contexto, fecha límite y presupuesto. Para reducir las idas y venidas entre quien encarga el trabajo y el ilustrador, simplemente tómate un momento para incluir esta información en el primer email de contacto. Por ejemplo, “Hola, Salustiana, vamos a sacar una historia sobre los erizos y las morsas. Necesitaríamos una cubierta a página completa y dos ilustraciones tipo pictograma para unos detalles. Los bocetos deberían estar para el 1 de marzo y los finales para el 8. Tenemos un presupuesto de unos 3750$. ¿Estás disponible/te interesaría trabajar con nosotros en este encargo? Necesitamos una respuesta antes de las 17h de hoy. Gracias”.
Con un solo email le habéis proporcionado al ilustrador toda la información que necesita para decidir si acepta el trabajo o no. Este solía ser el email estándar para todos los encargos. No estoy seguro de qué ha pasado, pero ni yo ni muchos ilustradores que conozco estamos recibiendo ya emails así. Vamos a solucionarlo.

2. NO SOBREESTIMES LA CAPACIDAD TELEPÁTICA DE LOS ILUSTRADORES.

Los detalles importan. A la hora de enviar un email sobre el trabajo, proporciona cuantos más detalles relevantes mejor, sobre todo si existen requisitos específicos. Los ilustradores somos muy capaces de dibujar cualquier cosa que necesites, pero no (siempre) podemos saber qué necesitas si no nos lo dejas claro. Por ejemplo, si le dices a un ilustrador que dibuje “un coche en una calle”, éste asumirá que la marca y el modelo del coche no son relevantes. También asumirá que la calle puede ser cualquier tipo de calle. Por tanto, no es de recibo rechazar el trabajo final porque lo que esperabas era un Porsche Vintage rodando por una autovía. Por favor, asegúrate de especificar todos los elementos que necesitas desde el principio de tus emails con el ilustrador, y todo saldrá suave como la seda.
A veces, en cambio, es preferible una leve dirección, si el encargo es de los que permiten interpretación y libertad artística. Pero no confundamos esto con la falta de información relevante. Por ejemplo, la última destinataria del premio Richard Gangel para Directores de Arte, SooJin Buzelli, es famosa por dar a sus artistas mucha libertad. Pero nótese que cuando les hace un encargo, antes se ha pasado un buen rato resolviendo cómo condensar un artículo complejo hasta su mensaje esencial. Entonces envía este resumen a un ilustrador cuidadosamente seleccionado, proporcionándole un punto de partida perfecto para crear una solución visual única. Conciso y eficiente.

3. POR FAVOR, RESPONDE. POR FAVOR.

Esto es mera cortesía. A menudo me preguntan si estoy disponible para un encargo, y contesto afirmativamente con algunas preguntas sobre los detalles o el presupuesto. Y no vuelvo a tener noticias. Una semana después veo el blog de otro ilustrador con un trabajo idéntico a aquel sobre el que me habían escrito. Puedo comprender que todo el mundo está muy ocupado y que los emails vuelan a la velocidad de la luz, pero os invito a tener en cuenta que es poco profesional, y bastante grosero, dejar colgado a un trabajador. Muchas veces aplazamos otras cosas, o rehacemos nuestra agenda semanal para acomodarla a un proyecto que consideramos que está a punto de iniciarse. Un simple email para hacernos saber que al final vais a trabajar con otra persona, o que la cosa se cancela, o aplaza, etc. es todo lo que necesitamos para que sepamos a qué atenernos, y organizar nuestras prioridades con nuestros otros encargos.
Gracias.
 .
 Kyle T. Webster para IllustrationAge
Traducido por Marta Ramos del original en inglés publicado por Kyle T. Webster en la web IllustrationAge
11 de febrero de 2016 / ilustra

Todo lo que necesitas para trabajar desde una tablet o un ipad

Aquí tenéis una lista con las apps que mejor os van a permitir desarrollar vuestro trabajo como ilustradores profesionales desde una tablet o ipad. Al principio parece que no es posible, ¡pero sí lo es! Solo hay que cambiar un poco el chip y acostumbrarse. Además es muy interesante para experimentar con nuevos medios y técnicas, y para poder llevar el trabajo contigo a cualquier parte.

Quizás al principio cuesta darse cuenta de todo el abanico de posibilidades que puede ofrecer un dispositivo como una tablet. En esta lista, no solo se va a hablar de las apps directamente relacionadas con el trabajo creativo, sino también de las apps que os van a permitir llevar al día todos los aspectos de nuestra profesión: la ilustración. Algunas son gratuitas y otras de pago, pero combinadas son una gran herramienta de trabajo on-the-go (para el camino). Es vuestra decisión en cuáles os conviene más invertir. Es cuestión de ir probando.

APPS PARA DIBUJAR

ARTSTUDIO >>>Es la herramienta más completa de edición de fotografía, pintura y bocetos.

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PROCREATE >>>Una de las mejores app para ipad para dibujar y pintar.

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ARTRAGE >>>Libera tu creatividad con este taller de pintura virtual.

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BRUSHES 3 >>>App para pintura digital. Es muy interesante porque registra todos los pasos y luego los reproduce como una animación.

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SKETCHBOOK INK >>>Cuenta con una tecnología vectorial que nos permite realizar dibujos en alta definición sin importar la resolución y crear detalles muy finos en las ilustraciones.

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INKPAD >>>Dibujo vectorial con un montón de opciones y herramientas, entre ellas, el uso de capas. Muy útil.

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ADOBE IDEAS >>>La versión para tablet/ipad del programa Illustrator. Dibujo vectorial. Los archivos se pueden exportar para continuar trabajando en Illustrator.

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PAPER >>>Te permite anotar y dibujar todo lo que necesites. Es un bloc personal donde se pueden hacer todo tipo de anotaciones, con total libertad de diseño y, sobre todo, con una interfaz sencilla y funcional.

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TAYASUI SKETCHES >>>Tiene un completo conjunto de herramientas gráficas profesionales, ofreciendo control de presión y velocidad. Muy interesante para hacer bocetos.

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ADOBE ILLUSTRATOR LINE >>>Dibuja y realiza diseños vectoriales que luego puedes compartir con Adobe Creative Cloud.

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BAMBOO PAPER >>>Te ayuda a capturar tus pensamientos e ideas. Tomar notas, hacer bocetos y dibujar es tan directo y sencillo como usar papel y lápiz de verdad.

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IDESIGN >>>Herramienta de dibujo vectorial y diseño gráfico.

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APPS DE RETOQUE Y FOTO

PHOTOSHOP TOUCH >>>La versión de tablet/ipad del Photoshop. Prácticamente tiene las mismas funciones y herramientas que el programa de ordenador.

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PHOTOSHOP EXPRESS >>>App con las herramientas más básicas de edición de foto.

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PHOTOSYNTH >>>Esta app te permite crear fotografía panorámicas de muy buena calidad.

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PHOTOGRID PRO >>>Una herramienta de composición fotográfica de multimarco.

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APPS DE DISEÑO GRÁFICO

PHOSTER >>>Si tienes prisa y necesitas crear un poster sencillo y bonito para anunciar algo, esta herramienta te resultará muy práctica.

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QUARK DESIGNPAD >>>Es la versión de tablet/ipad del inDesign o del Quark. Es una app de composición y maquetación.

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ADOBE COLOR CC >>>Una herramienta de selección de colores, tonalidades y gamas cromáticas.

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I MOCK UPS >>>Diseño y composición de páginas webs.

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CURATOR >>>Una herramienta para crear moodboards o composiciones de referencias visuales o de trabajo. Muy útil para la primera fase de cualquier proyecto creativo.

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APPS DE TIPOGRAFÍA

I FONT MAKER >>>Una app que te permite crear tus propias tipografías.

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WHAT THE FONT >>>Esta herramienta te ayuda a comparar tipografías y ver sus diferencias.

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APPS DE HERRAMIENTAS VARIAS

EBOOK MAGIC >>>Crea tus propios ebooks con texto e imágenes.

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PICTUREBOOK >>>Esta app te permite crear álbumes ilustrados en forma de ebooks.

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CAM SCANNER >>>Un escáner que te permite registrar documentos y bocetos.

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TEXTILUS >>>Procesador de texto con muchas funciones y herramientas para poder editar textos cómodamente.

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SPLICE >>>Programa de edición de video para poder crear composiciones desde la tablet/ipad.

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WORDREF >>>Un diccionario español – inglés, español y de sinónimos y antónimos. Porque nunca se sabe cuándo se puede necesitar.

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AIR DISPLAY >>>Esta app te permite convertir tu tablet en una pantalla más de ordenador en la que puedes trabajar y compartir contenidos.

air-display

APPS SOCIAL MEDIA

PÁGINA FACEBOOK >>>Gestiona y administra tu página de Facebook.

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TWITTER >>>Permite seguir a personas, webs, empresas e informaciones de temas que te interesan.

twitterapp

GOOGLE+ >>>Una red social que permite mejorar el SEO de tu web o blog si te mantienes muy activo.

google

SKYPE >>>Esta app te permitirá estar en contacto con todos tus clientes, compañeros de trabajo, amigos, etc. Solo necesitas internet.

skype-app

LINKEDLN >>>Es muy importante mantener actualizado el perfil profesional, así que es muy recomendable esta app.

linkedin

BUFFER >>>Esta app te permite publicar y programar tus publicaciones en muchas de tus redes sociales: Linkedin, Fb, Twitter, Google+…

buffer

APPS DE AUTO-PROMOCIÓN

BEHANCE >>>Actualiza tu portafolio, tenlo en tu tablet/ipad aunque estés offline para mostrarlo a tus clientes y sigue a aquellos creativos cuyos trabajos admiras.

behance

BLOGGER >>>Si tienes un blog podrás publicar entradas nuevas, editar las ya existentes y responder a comentarios y administrarlos.

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WORDPRESS >>>Si tienes un blog o web hechos con WordPress, esta app te permitirá gestionarlos y actualizarlos.

wordpress-android-app

POSTS >>>Esta es una herramienta que te permite administrar y publicar en distintos lugares, pudiendo tener en la misma app tu blog, tu web, etc.

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MAILCHIMP MOBILE >>>Si ofreces a tus seguidores que se suscriban a tu newsletter y la gestionas con Mailchimp, podrás crearlas, aumentar y modificar tus listas de seguidores y mucho más con su app.

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APPS DE GESTIÓN Y ORGANIZACIÓN

WUNDERLIST >>>Ayuda a millones de personas en todo el mundo a organizar tanto su vida como su negocio.

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EVERNOTE >>>Es un bloc de notas, pero es es especialmente práctico porque te permite organizar tus notas por temas, listas, y mucho más. Puedes registrar no solo tengo sino también imágenes, webs y más.

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THINGS >>>Listas de cosas que hacer. Con esta app podrás organizarte facilmente.

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MINDNODE >>>Si te gustan los esquemas y los mapas de araña para aclarar tus ideas y organizarte, esta app te gustará.

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CUBE >>>Esta app te ayuda a llevar al día todo lo referente a los gastos, facturas, fechas de entrega, pagos pendientes, etc.

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FLOWBOARD >>>Esta herramienta te permite diseñar presentaciones para tus clientes. Muy práctico para la fase de briefing o presentación de primeras ideas y bocetos.

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UNSTUCK >>>Si estás bloqueado, no te salen las ideas y buscas algo que te ayude a cambiar el chip, prueba esta app.

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APPS PARA GESTIONAR ARCHIVOS

DROPBOX >>>Accede a tus archivos desde donde sea compartiéndolos en Dropbox.

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GOOGLE DRIVE

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EBOOK READER >>>Poder tener tus libros y pdfs en tu tablet te ayudará a tenerlos a mano cuando los necesites. Ya sean novelas, libros de consulta o tu propio portafolio.

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APPS PARA ESTAR INFORMADOS

PINTEREST >>>Sigue todas las imágenes de las cosas que te gustan y haz repin, crea tus listas y añade imágenes que te inspiren.

pinterest-app

FEEDLY >>>Un RSS Feed con el que puedes seguir todas las novedades de tus blogs y webs favoritos. Como un periódico hecho a medida.

feedly

INSTATUBE >>>Una app que te permite llevar contigo videos de Youtube y Vimeo y verlos aunque estés offline.

instatube

APPS PARA EXPERIMENTAR

C64 PAINP XL >>>Una aplicación estilo retro, para dibujar imágenes de 200×200 pixeles máximo. Podréis elegir entre una paleta de 16 colores, y os permitirá crear imágenes al más puro estilo de la época de los ordenadores de 8-bits.

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THE FONT GAME >>>Un juego para creativos que quieren comprobar cuál es memoria tipográfica. A ver cuántas tipografías podéis reconocer y acertar.

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DO INK >>>Para hacer animaciones frame-by-frame de manera sencilla y divertida. Una manera muy guay de entender cómo se crea el movimiento de los dibujos.

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KSCOPE >>>Crea imágenes caleidoscópicas basándote en tu realidad y tu entorno.

xlkscope

IDEA GENERATOR >>>Una app que te permite desarrollar tu creatividad a partir de la selección aleatoria de palabras.

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GIFBOOM >>>Con esta herramienta se pueden crear gif de manera sencilla.

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ANIMATION DESK >>>Si quieres probar a crear animaciones complejas, esta app es muy interesante.

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Vía www.ilustrandodudas.com

11 de febrero de 2016 / ilustra

Me estoy leyendo un libro muy interesante que se llama “15 steps to freelance illustration”. Es muy concreto y realista y realmente te ayuda a poner los pies en la tierra y darte cuenta de todo lo que hay que tener en cuenta tanto para empezar como para sacar adelante tu estudio o tu carrera como freelance. El único problema es que su enfoque viene desde el mercado anglosajón, es decir, Reino Unido, EEUU, Australia, Nueva Zelanda, etc…

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De todas formas hay muchas cosas interesantes de donde extraer información muy útil. En este momento estoy en el apartado llamado ” lo que hubieras deseado saber cuando empezabas”.
Como está resultando realmente interesante creo que voy a enumerar aquellas cosas que por ser tan básicas u obvias se nos suelen olvidar.

Ahí van, y espero que os resulten tan interesantes y reveladoras como lo están siendo para mi:
ME HUBIERA GUSTADO SABER CUANDO EMPECÉ QUE…

-Es muy importante hacer un curso básico sobre economía o investigar desde el principio el tema de empresa, autónomos, derechos, contratos e impuestos. Es una parte del trabajo imprescindible y cuanto antes la aprendas antes podrás desarrollar tu trabajo de forma profesional.

-Es imprescindible desarrollarte y tener una imagen o marca, que esté cuidada y te represente bien.

-La web es una prolongación de tu persona como profesional y creativo. Es la primera impresión que van a tener de ti si no te conocen, no solo es un portafolio con trabajo, eres tú. Hazla pronto, que sea sencilla, llamativa y fácil de navegar. Selecciona bien tus trabajos y mantenla actualizada. Intenta dar la opción de que los interesados se apunten para recibir una newsletter periódica o puedan conectar contigo a través de las redes sociales. El networking es muy importante, no lo dejes.

-Hay que tener cuidado a la hora de ponerle precio a tu trabajo. Al empezar es normal que sean bajos, pero no te pases y conforme vayas terminando encargos y dejando clientes satisfechos ve subiendo la tarifa. Sé realista y calcula bien cuántas horas te llevará el trabajo. Y no pienses que solo es una cuestión de tiempo dedicado, es tiempo, es formación, es infraestructura, son materiales, es el alquiler, es la comida, es la gasolina del coche… Es todo aquello que te permite realizar tu trabajo. Tenlo en cuenta.

-Hay que intentar ahorrar desde el principio, aunque sea un poquito. Todos sabemos que hay meses en los que no llega ni un encargo, hay que cubrirse las espaldas, y si la cosa va bien, pues genera dos bolsas, una de ahorros y otra de inversión, esta última te será muy útil si de repente necesitas un libro o un nuevo escáner o materiales o lo que sea.

-El mejor trabajo siempre es el que hacemos de forma más personal, sintiendo que nos estamos expresando como realmente queremos. Si nos empeñamos en seguir las pautas del mercado y en acercarnos a lo que los demás hacen nunca tendremos éxito. Cada creativo tiene su mercado, cuesta algo más de tiempo y esfuerzo encontrar los clientes correctos, pero merece la pena. Uno tiene que sentirse inspirado con lo que hace y defender su propio lenguaje.

-Es muy útil hacer pruebas de los encargos que crees que vas a realizar más, por ejemplo un logo o una página de un álbum ilustrado. No solo te servirá para hacerte una idea de cuanto puedes tardar y por tanto poderlo tarifar, sino que además te sirve para el portafolio.

-Tan pronto como termines un encargo y sepas que el cliente ha quedado satisfecho, pídele una recomendación escrita, puede ser muy útil para añadir como anexo en tu web o cv, y también en redes sociales como Linkedin.

-No debes cometer el error de malgastar tu tiempo preocupándote por el estilo. Simplemente dibuja mucho, sobre temas diferentes, cuenta historias, etc. Lo que sale de tu mano y cómo sale es lo que tú eres, deja que fluya de forma natural, poco a poco irás sintiéndote cómodo con un lenguaje gráfico determinado y el estilo aparecerá solo.

-No hay que tener miedo de preguntar o pedir ayuda cuando tengas dudas. Esta profesión se puede volver muy solitaria y a veces cuesta ponerse en contacto con compañeros y preguntar, pero no se pierde nada por intentarlo y aunque hay veces que te encontrarás ilustradores que preferirán no ayudarte por no desvelar sus secretos profesionales, en general, sucede lo contrario.

-Nunca des nada por sentado y menos los acuerdos pactados verbalmente. Intenta redactar siempre un contrato y si no puedes, pues redacta un briefing con las características del encargo y las condiciones de ambas partes. Y firmadlo. Te facilitará mucho tu trabajo en el futuro y te ahorrarás discusiones, problemas y dolores de cabeza.

-Hay que ser correcto y profesional, aunque creamos que es suficiente ser bueno en lo que hacemos no es así, hay que saber expresarse correctamente por escrito, no cometer faltas y cuidar el lenguaje técnico para que se nos tome en serio. No solo la imagen es importante.

-Al principio, aunque es difícil, hay que saber cuándo decir no a un encargo o incluso a un favor. Hay que elegir bien. Es verdad que cuando dices que no sientes que estás perdiendo una oportunidad de ganar más o conseguir un nuevo cliente, pero todos sabemos lo que ocurre cuando no damos abasto y no podemos hacer ningún encargo realmente bien. Hay que saber decir no.

-Es bueno ponerse como norma no tomar decisiones precipitadas cuando recibes un encargo. Al hablar del mismo hay que pedirle al cliente que te de tiempo para ver si te interesa, si tienes tiempo, cuanto le puede costar y en qué condiciones lo harás. Así que aunque te pregunten de primeras cuánto costaría el encargo, no hagas un cálculo rápido. Cuelga, medítalo, calcula y llámale o escríbele de vuelta. No te arrepentirás.

-Haz tus propios proyectos. No esperes a que aparezca el súper cliente que te ofrezca el encargo de tu vida. Así no llegará nunca.

Vía www.ilustrandodudas.com

11 de febrero de 2016 / ilustra

Porque solo si nosotros nos respetamos nuestros clientes nos respetarán

Esto va dirigido a todos los creativos y artistas visuales: Ilustradores, diseñadores, artistas plásticos, animadores, fotógrafos, etc. Porque no podemos dejar que nos ninguneen y nos traten sin respeto ni dignidad. Por eso hemos creado este decálogo, para generar una reflexión en nosotros mismos y en nuestros clientes.

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DECÁLOGO PARA NO TRABAJAR GRATIS

1. Somos una profesión más, que cubre necesidades, crea productos y soluciona problemas, lo mismo que los abogados, los médicos, los fontaneros, los arquitectos, los ganaderos, los mecánicos, los panaderos, etc. ¿A ellos les insinúas que quieres que hagan su trabajo gratis?

2. Lo que nos diferencia de otras profesiones es que lo que hacemos es único: Somos autores. Nace de nuestra creatividad, pero también de la inversión que hacemos en formación y que nos completa como profesionales. A un director de cine lo admiras, a un escritor también, a un músico también, a un actor también… ¿Das por hecho o pretendes que regalen su trabajo?

3. Un creativo no trabaja por amor al arte. Aplica la creatividad, la imaginación y la innovación para crear soluciones nuevas a los problemas de siempre. Un inventor es un creativo, un arquitecto es un creativo, un ilustrador es un creativo, un astrofísico es un creativo, un director de cine es un creativo, un músico es un creativo… Edison, Ella Fitzgerald, Einstein, Gabriel García Márquez también fueron creativos, ¿Te lo habías planteado?

4. Las profesiones creativas no requieren solo de la creatividad sino de otro montón de habilidades y conocimientos para ser encauzada: software especializado, control de distintas herramientas y técnicas, conocimientos teóricos, marketing, community management, gestión y contabilidad, legalidad y derechos de autor, etc. Es como tener 10 profesiones en 1. ¿Te habías dado cuenta de que realizamos la misma cantidad de formación que cualquier otra profesión, como puede ser la tuya?

5. Haber descubierto y desarrollado la profesión que nos apasiona no es razón para querer cobrar menos o nada. Y tampoco significa que el trabajo no suponga un esfuerzo como en cualquier otra profesión. Cuando encuentras un médico, un informático, un chef, un maestro con vocación ¿Le pides que haga su trabajo gratis para ti?

6. Trabajar como freelance es muy duro, ya que no te ampara ninguna empresa que te da una nómina, que paga tu seguridad social, que te da una estabilidad mensual y posibilidades de ascender o una mayor visibilidad. Como autónomo estás solo en tu carrera y solo depende de ti el conseguir dinero y sobrevivir. Significa vivir en la incertidumbre. ¿Los clientes y consumidores valoran eso?

7. Los freelance siempre somos los incomprendidos en todos los ámbitos: el laboral, porque sólo dependemos de nosotros mismos y eso es peligroso; personal, porque requiere de una fortaleza mental y una motivación y dedicación enormes; familiar, porque nadie suele entender en qué consiste lo que hacemos y les cuesta apoyarnos; social, porque ni el estado ni el sistema nos facilita el trabajo. ¿Le pasa esto a la mayoría de los otros gremios?

8. En el caso de los creativos visuales, sufrimos una actitud muy incoherente por parte de nuestros clientes: Nos tratan como si realizáramos un trabajo secundario, algo que no es una primera necesidad, pero la realidad es que vivimos en un mundo más visual que nunca, donde la imagen habla por nosotros y nos representa, tanto a nivel individual y personal como a nivel empresarial y de marca. Por tanto, nuestro trabajo en este momento sí que es de vital importancia para el desarrollo de cualquier empresa grande o pequeña. ¿Los clientes son conscientes de esto?

9. Ser ignorante de los procesos de trabajo y de los derechos de los profesionales creativos no es excusa para exigir un trabajo a cambio de nada o de unas condiciones completamente indignas. Todos queremos vivir de lo que hacemos, nuestros clientes con su trabajo y nosotros con el nuestro. ¿Hay respeto?

10. NO queremos trabajar gratis, NO podemos trabajar gratis. NO trabajaremos para aquellos que no nos respetan como profesionales. y no hay que tener miedo a decir NO.

*Este decálogo ha nacido gracias a la iniciativa en Facebook “TRABAJAR GRATIS ES UN LUJO QUE NO ME PUEDO PERMITIR”. ¡Mil gracias por la idea!

Vía www.ilustrandodudas.com

11 de febrero de 2016 / ilustra

¿Por qué es tan difícil para el estudiante encontrar prácticas de empresa de ilustración?

Las prácticas de empresa de los estudiantes de ilustración, ¿por qué son tan complicadas de encontrar? Los estudiantes del Ciclo Formativo de Grado Superior en Ilustración, al final de su último curso, deben enfrentarse a una fase de prácticas en empresas. Esto también ocurre en otras enseñanzas similares y también en niveles educativos diferentes tanto públicos como privados (Grados, Máster, etc…). Si conoces la profesión de la ilustración sabrás que un ilustrador, generalmente, es un profesional freelance que trabaja por cuenta propia. ¿Cómo se plantean las prácticas para los estudiantes de ilustración? ¿dónde se realizan?

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En España existen unos estudios formales para obtener un título en ilustración.
Estos estudios de ilustración están incluídos en lo que se llama Enseñanzas Artísticas Profesionales (equivalentes al título de Técnico en FP, si esto se conoce más). Las Enseñanzas Artísticas no son muy conocidas, pese a ser enseñanza pública. Su aparente complejidad, la variedad de modalidades, la poca publicidad que hacemos desde las Escuelas de Arte, etc. hacen que sean unos estudios muy desconocidos.

Las Enseñanzas Artísticas Profesionales de ilustración se estructuran en un Ciclo Formativo de Grado Superior de dos cursos académicos de duración. Hay una serie de asignaturas o módulos en el primer curso (32 semanas) y otras en el segundo curso pero sólo hasta el mes de abril (24 semanas), ya que después el alumno debe hacer un “Proyecto Integrado” y una Fase de Formación Práctica en Empresas, Estudios o Talleres (8 semanas). Si no conocéis estos estudios y/o queréis saber dónde se imparten, echad un ojo al artículo “¿Dónde estudiar ilustración en España?”.

Esta estructura es nueva desde el curso pasado y, personalmente, me parece que es muy negativa ya que entre otras cosas, en ese último curso el alumno deberá compaginar la fase de Prácticas en empresas, con el módulo de “Proyecto Integrado”, algo que no ocurría con la anterior normativa, cuando primero se hacían las prácticas y después se realizaba el Proyecto Final. Era más coherente, permitía una mejor organización y dejaba tiempo al alumno para que pudiera hacer un proyecto final de calidad.

El número de horas dedicadas a las prácticas varía en función de la comunidad autónoma (siendo el mínimo 50 horas), y nos encontramos con una gran variedad de horas dedicadas a las prácticas en empresas. Por ejemplo, en la Comunidad de Madrid son 50 horas, en Castilla La Mancha 100 horas, en la Comunidad Valenciana y Andalucía 150 horas, en Castilla y León 160 horas, en Cataluña 280 horas… Realmente hay una gran disparidad de criterios entre las distintas regiones.

Por otro lado y a nivel de organización, cuantas menos horas se dediquen a las prácticas en empresas, más tiempo se dedicará al módulo de “Proyecto Integrado”, un módulo, a mi parecer, de más interés que el de las prácticas para este ciclo formativo, ya que permitirá al alumno tener un trabajo que poder mostrar a editoriales o empresas que pudieran comercializarlo. Forma parte de su book.

Las prácticas en empresas buscan completar la formación del alumnado y acercar a este al mundo laboral y permitir su participación en los procesos y flujos de trabajo reales, al menos es lo que ocurre en FP, pero ¿ese planteamiento es también válido para las enseñanzas artísticas profesionales? El 90% de los ilustradores (me acabo de inventar el dato) son autónomos y trabajan en la soledad de su casa, junto a su gato o en un estudio compartido (ahí al menos tienen contacto con otros compañeros). El día a día de un ilustrador profesional es muy solitario y el trabajo se ameniza gracias a la ventana que ofrece internet. Sitios como Facebook, Pinterest, Google Imágenes y Spotify son los compañeros de trabajo de un ilustrador. Y esto no es que sea malo, es que es así.

La normativa que regula las prácticas indica que son “Prácticas en empresas, talleres o estudios” pero no plantea la posibilidad del trabajo autónomo, freelance o trabajo remoto, y esa podría ser una opción más realista, ya que permitiría al alumno acercarse a su futura realidad profesional, donde la organización y la autodisciplina es una de las cosas más importantes que debe aprender, si no lo ha aprendido ya durante el curso.

No os podéis hacer una idea de lo complicado que es encontrar empresas que puedan hacerse cargo de la formación en prácticas de los alumnos de ilustración. Es un trabajo que recae en el tutor de prácticas del ciclo formativo que, año tras año, se desespera para encontrar nuevas empresas y reza, año tras año, para que ninguna empresa con la que hay convenio deje su actividad. Cada escuela firma convenios con empresas cercanas, pero en provincias pequeñas es muy difícil encontrarlas. Cada vez más se pide a los alumnos que si tienen interés en alguna empresa en concreto, que la busquen por su cuenta, y que si conocen alguna, aunque sea fuera de la provincia o fuera de la comunidad autónoma, desde las Escuelas acudiremos raudos y veloces a firmar con ellos el convenio de colaboración.

Entonces, ¿en qué empresa puede hacer sus prácticas un estudiante de ilustración? Al final los alumnos realizan sus prácticas en imprentas (donde se dedican a maquetar o al diseño editorial), empresas de rotulación (diseñando), en el periódico local (maquetando), agencias de diseño (diseñando papelería, tarjetas…). Es realmente difícil hacer prácticas específicas de ilustración en empresas. Los alumnos llegan a las empresas esperando ilustrar algo y deben conformarse, a veces, con ver de cerca cómo funciona una imprenta.

Hay sectores que tal vez requieran de los conocimientos de los nuevos ilustradores que salen de las escuelas, me refiero al sector de la animación o de la industria cultural de los videojuegos, donde se necesitan ilustradores que diseñen personajes o fondos… Las agencias de publicidad o empresas de creación de aplicaciones para dispositivos móviles…. (¡mirad vuestro móvil o tableta y observad la cantidad de ilustraciones, iconos o gráficos que aparecen en ellos!), son sectores que también requieren de los servicios de ilustradores y que, tal vez, por el volumen de trabajo que generan, son de los pocos que pueden contar con ilustradores dentro de sus plantillas.

Uno de los grandes problemas que se generan con la presencia de un estudiante de ilustración en prácticas es que a la gente se le olvida que un ilustrador es un autor, y su trabajo genera derechos de autor, y aquí ya nos metemos con grandes diferencias con respecto a otro tipo de enseñanzas como la FP o algunos Grados Universitarios, por lo que que un ilustrador entre en la plantilla de una empresa puede generar ciertos conflictos con respecto a la autoría de su trabajo. ¿De quién es el trabajo, del ilustrador o de la empresa? ¿Puede la empresa apropiarse de un trabajo de un alumno en prácticas? ¿De quién es ese trabajo? Ese es uno de los grandes peligros de esta fase, ya que los alumnos realizarán trabajos de autoría para unas empresas cuya relación se acabará al cumplir el período de prácticas y dispondrán de trabajos originales por los que seguramente el estudiante no percibirá nada. En los convenios de colaboración entre escuelas de arte y empresas, que es el documento oficial que une al estudiante y a la empresa, no se indica nada al respecto y debería ser ese documento donde debería formalizarse este asunto. Es un tema más complejo del que parece. Algunas empresas del sector de la animación o los videojuegos, más acostumbradas al trabajo colaborativo, contemplan la figura de la obra en colaboración u obra colectiva, regulada por la Ley de Propiedad Intelectual.

De todos modos, hagan las prácticas en un tipo de empresa u otro, al final salen contentos de haber tenido contacto con una realidad laboral diferente. Para algunos, la mayoría, es la primera vez que entran en una empresa y conocen el funcionamiento de una estructura donde hay uno o varios jefes, compañeros, departamentos, clientes, facturas, compras, ventas… aunque no ilustren y se dediquen al diseño gráfico que, por otra parte, es un campo poco desarrollado en el ciclo formativo y que pueden cultivar en la propia empresa. Siempre se aprende algo. De eso estamos todos seguros.

Me gustaría que este artículo sirviera para recibir impresiones de distintos puntos de vista. Si eres estudiante de ilustración, empresa, docente… Si has tenido ya la experiencia de hacer prácticas como ilustrador, escríbenos y cuéntanos qué tal. Si eres empresa dinos cómo ha sido incluir a un ilustrador en el equipo… Al final nuestra intención sacando este tema es el de conocer la realidad de todos los que tenéis que pasar por esa experiencia para ver de qué manera se podría mejorar. Así que escríbenos un mail y comparte tu historia. Y nosotros la sumaremos a este artículo.

*Artículo escrito por Alberto Albarrán. www.albertoalbarran.wordpress.com @AlbertoAlbarran

Experiencias personales:

“He leido el artículo sobre lo complicado que es encontrar prácticas sobre ilustración y al final pides experiencias. A ver si la mía puede contribuir en algo.

Me llamo L.T. y de 2007 a 2009 cursé el C.S. en Ilustración en Coruña. Las experiencias vividas durante esos dos años no las borraría por nada del mundo pero en lo relacionado al ciclo en si y a su formación tengo que decir que fue muy deficiente. En 1º parecía un chiste, casi no hacíamos nada y en 2º un ritmo frenético y mucho más enfocado pero aún así no puedo decir que al salir del ciclo me sintiera preparada como para saltar al mundo profesional. Yo era consciente de que la calidad de mis trabajos podía mejorar mucho más. No puedo echarle la culpa del todo al ciclo ya que cada alumno evoluciona a diferente ritmo pero sí que puedo decir que me mosquea bastante que en un ciclo de formación profesional de ilustración no imparta clase ningún ilustrador que nos muestre de primera mano lo que es el mundo profesional.

En cuanto a las prácticas del ciclo, yo no tenía ni idea de cómo buscarme una empresa para hacerlas y dejé que la escuela me asiganara una. Acabé en una empresa de diseño gráfico en la que me mandaron hacer un marcapáginas, unas postales navideñas individualizadas para sus clientes (estábamos en abril, pero ya aprovechaban que yo estaba allí y se lo hacía gratis), relicé varios bocetos para la mascota de una web que al final se quedó en nada… Esto es lo que se les ocurrió mandarme hacer pero cuando ya no sabían que mandarme, el jefe, me dio una foto de una cocina y me dijo que le cambiara la distribución de los elementos con photoshop (era una cocina que le iban a poner en casa a su madre), hubo un día que me puso a archivar pegatinas. Sin comentarios. A ver, en general fueron agradables conmigo y me sirvió para ver lo que era cumplir un horario de empresa y estar en un entorno laboral pero los encargos que me hacían no eran para nada lo que me esperaba. Tal vez iba con expectativas muy altas y me di de morros con la realidad. No sé. Pero esta fue mi experiencia así a grandes rasgos.

Tengo compañeros que estuvieron en imprentas, a otros les firmaron las prácticas sin más (sin hacer las prácticas realmente), una compañera estuvo en inditex y me dijo que la explotaban….
Bueno, esta fue mi experiencia en el ciclo y al año siguiente empecé con el Grado en Bellas Artes. En la carrera no se toca nada de ilustración lo que me parece un terrible error. Todo es mucho más enfocado al concepto, al porqué de las cosas, por qué haces esto y no aquello, aprende un poco de todo pero nada bien bien, referentes referentes y más referentes, experimenta…. Muy variado pero nada de concretar y explayarte en algo. Esto fue en mi facultad, no sé en las demás. Por lo que me dicen cada facultad es de su padre y de su madre así que de querer especializarte en algo en concreto hay que ver muy bien cual es la facultad que eliges, no solo que carrera eliges. Cosa que cuando empiezas no sabes y vas a la que está más cerca de casa por lo general. No sé. Me parece todo un poco caótico.

Al acabar la carrera he hecho varios cursos relacionados y he decidido enfocarme definitivamente a la ilustración. Desde que acabé el ciclo hasta ahora noto que la calidad de mis trabajos ha mejorado mucho y eso que durante la carrera no he tocado nada de ilustración . Será por los años de madurez y aprender a ver el mundo y tener más influencias que antes. El tema es que al salir de la carrera en cuanto a lo profesional de la ilustración seguía igual que al salir del ciclo y me puse a investigar en Internet a lo bestia y encontré ilustrando dudas. Mi salvación!!! Menos mal que existe. Asistí al curso de Vigo y aprendí un montón. Mucha información útil y de manera concentrada que no me puedo creer que en 6 años de formación nadie me la hubiera dicho antes. Es que me parece increíble.”

Escrito por L.T.

Vía www.ilustrandodudas.com


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